Discográfica y Biografía de La Sonora Ponceña

Por esta Gran institución salsera de renombre internacional, ha desfilado Grandes músicos en toda su trayectoria musical que le han brindado un gran reconocimiento cuando de orquestas de salsa hablamos, que la han colocado como una de las consentidas del publico salsero del mundo entero estamos hablando de:

La Decana de la Salsa

LA SONORA PONCEÑA



“Los Gigantes del Sur”


En el año de 1945, el guitarrista Enrique "Quique" Lucca fundó el Conjunto Internacional en la ciudad de Ponce basado en el formato y el repertorio de la agrupación del tresista cubano Arsenio Rodríguez, el cual estaba conformado por un tres, tumbadora, bongó, vocalista y Quique Lucca en la guitarra y segunda voz, en este grupo también tocaría el bongó, Antonio "Tato" Santaella, Nueve años después, en 1954 Quique Lucca decide agrandar su conjunto convirtiéndolo así en La Sonora Ponceña.

Es así como nace esta agrupación que le ha brindado al genero salsero un gran aporte, que se ha mantenido siendo esto lo mas importante cuando de hacer música se habla.

Enrique Lucca Jr. (Papo) hijo de Enrique "Quique" Lucca, nació el 10 de abril de 1946, desde pequeño mostró un gran talento musical, Lucca estaba destinado para integrar y ser una de la mayores contribuciones a la familia de La Sonora Ponceña.


“Padre e Hijo”

Tanto es asi que a la edad de 5 años sorprende a su padre y a los músicos del Internacional al meterse en un ensayo y tocar la tumbadora en un tema de Tito Puente, "Ran Kan Kan", al ver sus grandes dotes como músico su padre decide matricularlo en la escuela de “Juan Morell Campos de Ponce”, donde sorprendía a todo el mundo por su facilidad para solfear y tocar el clarinete, pero sobre todo por su capacidad innata frente al piano.

El primer pianista de la Ponceña que duro pocos meses en su puesto, ya que fue desplazado por el niño virtuoso Papo Lucca, se llamo Vicentico Morales. Ya a la edad de 12 años el adolescente Papo Lucca estaba listo para integrar la orquesta de la que actualmente es el director, La Sonora Ponceña.

En 1957, en noviembre, Papo es lanzado como el pianista revelación de La Ponceña en un baile al norte de la isla, en Bayamón, alternando esa noche con la Big-Band de Machito y sus Afrocubanos, por ser menor de edad, el pequeño Papo solo tenía permiso para tocar el set musical e inmediatamente regresaba al autobus de la orquesta, familiares, amigos, músicos y público asistente quedaron encantados con la presencia del pequeño.

En 1958 La Sonora Ponceña graba su primer 78 R.P.M. con Avelino Muñoz al piano. Contenía por una cara el hit No puede Ser y la otra cara la plena Tan Linda que Era. A finales de este año vuelven a los estudios de grabación, esta vez Don Quique llega acompañado de un pianista nuevo de tan sólo 12 años su genial hijo Pappo quien ante los ojos incrédulos del ingeniero de grabación registra su primer "solo" de piano en una versión de "Smoke Mambo" (Humo), tema famoso de La Sonora Matancera, interpretado por Celio Gonzalez, (Gozala mi prieta santa, gozala mi puchungita gozala por ti me muero, mi cariñito gozala gozala)como complemento al bolero Cerca De Tu Corazón que fue interpretado por el primer vocalista oficial de La Ponceña, Charlie Martínez. Posteriormente grabarían con Felipe Rodríguez y Pedro Ortíz Dávila, "Davilita" (vocalistas tradicionales de Puerto Rico), temas bolero-mambo como Noche de Locura.

A partir de este momento el mundo musical latino veía el despertar de uno de los mas grandes pianistas, arreglistas y músicos de todo el movimiento salsero que desde Puerto Rico pasando por New York irradiaría con su talento y su Sonora todo el continente americano, conquistando posteriormente como Estrella de la Fania, el mundo entero.



Para 1960, la banda había viajado a la ciudad de Nueva York para hacer presentaciones en el Centro Manhattan y el Teatro Puerto Rico. La banda y en especial Papo, fueron bien recibidos. Papo continuó perfeccionando sus habilidades en el Conservatorio de Música de Puerto Rico, de donde salio siendo ya un consumado músico y arreglista.

En 1968 Don Quique Lucca dejó de ser director musical dejando a su hijo Papo encargado, quien implementó al grupo la nueva tecnología de LP de alta fidelidad en sus grabaciones. La dirección musical de Papo consistío en una fusión de estilo moderno, sonidos cubanos tradicionales junto con jazz complementado con improvisaciones. El grupo también aumento a cuatro las trompetas en la sección de bronce, así comienza su historia en discos de 33 R.P.M., con Hacheros Pa' Un Palo, bajo el sello Inca, allí se incorporan Luigui Texidor y posteriormente el Sonero Tito Gómez formando uno de los binomios vocales más importantes en la historia de la agrupación, quienes con la canción “Hachero Pa’ Un Palo” contribuyen a que el mundo descubriera a esta extraordinaria orquesta de Salsa.

“Que cosa tiene ese palo que no lo puedo tumbar… tal ves será quiebrahacha quizás será guayacán.. el caso es que los hacheros lo dejan quieto y se van….que cosa tendrá camaraa……72 hacheros pa’ un palo…”


1. Hacheros pa' un palo - Fania, 1968
1. Hacheros "pa" un palo
2. Franqueza
3. Perdóname
4. Tiempo y la distancia
5. Bien pagá
6. África
7. Paño de lágrimas
8. Amor verdadero
9. Se formó la rumba
10. Ña, ña
En este trabajo también se encuentran los excelentes temas Perdóname, “Yo me pregunto tanto pensar tanto pasar en la soledad si sigo así con tanto martirio, pasando disgustos y sin poder amar…si malo yo se sido perdona perdóname…. Perdóname lo malo que fui con tu querer, que ahora yo cambiare…” Se formo la rumba, Amor verdadero y el bolero Paño de Lágrimas de la autoría de Luigui Texidor vocalizado por Tito Gómez, “Te conocí fuiste mi paño de lagrimas un día pensando en otra a ti mi amor yo lo entregue… hoy que ya eres parte de mi vida anúnciame tu partida y pensando en ti a otra me entregare……”.

Pero un éxito aun mayor se apuntan cuando en 1969 graban su trabajo Fuego en el 23, un antiguo tema de Arsenio Rodríguez con el que Papo Lucca pone de manifiesto su futuro concepto salsoso, este tema se convirtió en todo un Hit Radial,

“Una mañana dormía y corriendo me tiree por un grito que decía hay fuego en el 23 que se prendió la bombilla y no se sabe como fue… Hay fuego en el 23 en el 23...”

2. Fuego en el 23 - Fania, 1970
1. Fuego en el 23
2. Nosotros
3. Casabe sabe
4. Deseo salvaje
5. El hablador
6. Tercio de acero
7. Caridad
8. Aprendí más que tú
9. Sancocho Prieto
10. Rinkincaya

Su éxito musical lo continúan con los trabajos Algo de locura (1971), Navidad criolla (1971) Desde Puerto Rico a Nueva York (1972) Sonora Ponceña (1972) y Sabor Sureño (1973) en donde se destacaron los temas: Pa' los ponceños, de la pluma irrepetible del Tite Curet La pobreza y yo, Con maña sí, Tumba la caña jibarito, Un jíbaro en New York, Cenizas, Acere ko, Oh Mayi, y el infaltable tema en la voz de Tito Gómez Prende el fogón un claro ejemplo de un antiguo son cubano asumido y tocado en tiempo de salsa boricuanewyorkina:


3. Algo de Locura - Fania, 1971
1. Acere ko
2. Todo el mundo escucha
3. Cenizas
4. Ingrato corazón
5. Yemaya
6. Pobreza y yo
7. Oye mi quinto
8. Nobleza
9. "Pa" los ponceños
10. Chanflin

4. Navidad criolla - Fania, 1971
1. Aguinaldo antillano
2. En Nochebuena
3. Canción de Navidad
4. Tra, la, la
5. Vámonos "pal" campo
6. Tan bueno que era
7. Recuerdos de Navidad
8. Merengue navideño
9. Navidad me encanta
10. Un jíbaro en New York


5. Desde Puerto Rico a Nueva York - Fania, 1972
1. Prende el fogón
2. Quisiera olvidarte
3. Con maná sí
4. Fuerza en cara
5. El guagancó nacio en la
6. Al pan, pan, al vino, vino
7. No puede ser
8. Tumba la cana Jibarito
9. La puerta está abierta
10. Oh mayi

6. La sonora ponceña - Fania, 1972
1. Changuiri
2. Suena tu bongo
3. Imploración
4. Tú y yo "na" más
5. Tu son mi soro
6. Yo vengo del monte
7. Espejismo
8. Nació "cansao"
9. Casino mentiroso
10. Como mango


7. Sabor sureño - Fania, 1974
1. Juana Bayona
2. Las mujeres son de azúcar
3. Si fue por ti
4. La llave y la cerradura
5. Ecue baroni
6. Las lenguas
7. No tiene telaraña
8. Mi corazón, que te amo
9. Vida te doy
10. Lloré y reí

En 1974 se retira Humberto "Tito" Gómez, unos de los vocalistas, después de 7 años y 6 discos, dejándole en sus grabaciones un muy valido aporte a la ponceña, y grandes éxitos, su retiro lo hizo para crear La Terrifica, con algunos músicos que también pertenecieron a la ponceña.

“Tito Gomez”

El remplazó de Tito fue un vocalista de Guayama Puerto Rico, de profesión tipógrafo, sonero de timbre dulce y afinado que le daría "vuelco vocal" a la Ponceña e inspiraría Papo a crear nuevas sonoridades y temas: Miguel Ortiz, Este inmenso y singular cantante se mantuvo firme como pilar vocal de la Sonora, hasta el año 84, cuando empieza a padecer un problema pulmonar que lo alejaría definitivamente de la institución musical a la que le regaló diez años de pregones inmortalizados en: Juan Bayona (de su propia autoria),La vida te doy (Roberto Anglero),No muera el son (con el alboroto en el timbal del joven Edgardo Morales),La pollera colora, El yeyey, Jubileo 20, Ahora me rio yo , Vas por ahi, Luz negra, Agua a la candela, y Pensandolo bien:

“Pensándolo bien.. pensándolo bien no nos encontramos demasiado tarde.. cuando nos miramos en aquella tarde.. sucede que a veces la vida comienza cuando la experiencia encuentra el amor…..ahhhhhh”

Ingresan también a esta agrupación Yolanda Rivera y Toñito Ledée que junto con las voces de Luigi Texidor y Miguelito Ortiz hacen de La Ponceña una orquesta con un sonido único y preponderante.

La chispa que imprimían las melodías de Luigi Texidor, acompañándose del resto de los cantantes de la Sonora Ponceña, le daban un toque de distinción a la propuesta rítmica de la agrupación.



Un trovador de Salinas, Puerto Rico, empleado de la oficina de recursos naturales, quien aportaria a La Ponceña grandes éxitos era Antonio Tonito Leddee, quien se estreno tema de Tite Curet Barra Limpia, su pregón exacto se acomodaría espléndidamente a temas como Lindo Yambu, Umi-laye (donde Angelito Hernández, dejó registrado uno de sus mejores solos de bongo), Date cuenta, El amor, Ódiame, Yambeque “Si no me quieres pa’ que me lloras.. si yo me muero esta la sonora” (el tema que inmortalizó al pequeño Johnny Rivero en la conga) una de sus últimas grabaciones efectuadas antes de su trágico y mortal accidente del 28 de mayo de 1986, No bebo mas (irónica canción para un hombre sano, que nunca bebía y que se quedó dormido de físico cansancio entre la autopista que conecta a Ponce con San Juan), y el Temazo Remembranzas:

“Ya no existe amorr todo fue ilusión murieron las esperanzas triunfo la desilusión…tu que si yo que no.. así fue remembranzas de un pasado que ha empezado ayer.. rompamos el contrato de nuestro amor barato quedemos como amigos.. porque así lo dispuso el destino…..”

Pero y quien era esa voz femenina de La Ponceña?

“Yolandita Rivera - La Sonera de Ponce”

Se trataba de Yolandita Rivera, quien venía de trabajar con las orquestas de Willie Rosario y La Terrífica, Yolanda una agresiva pregonera conocedora de los misterios de la rumba, llegó con un timbre "hiriente", matizado inteligentemente por Papo con la dulzura de las trompetas.

Entró con pie derecho a La Ponceña, ya que en 1977 grabó con la agrupación Borinquen, un tema complejo y cargado de pasión que se ha convertido en una especie de himno puertorriqueño. “Es muy popular en cada país que voy, aún entre los que no vienen de mi isla, lo que me llama la atención porque es una composición que habla directamente de Puerto Rico”, asegura ella.

“Fue idea de Dios… arranco un lucero desde su cielo para crear de un hermoso sueño una tierra niña que la acariacaba al bajar del rio de la montaña nació borinquen flor de maravillas como una barquita flotando en el mar azul y al nacer la luz en medio del mar se pudo observar el radiante verde todo el lugar… nació borinquen en medio del mar…”

Fuera de la cuestión temática, Borinquen tiene valor por su carácter musical: en su grabación original, la pieza empieza con una cadencia lenta que asemeja el sonido de una marcha (o danza), para asumir luego el agitado ritmo del montuno. “Y es allí donde empieza la movida del cuerpo, ya tú sabes”, dice la cantante, sin evitar cierta picardía.

Su retiro se da en al año de en 1983 (por motivos de embarazo), después de 7 años y 8 discos.

Luigi Texidor Vocalista también permaneció con la Ponceña hasta 1977, una jornada intensa que se extendió por 14 años y en la que cultivó logros y satisfacciones como integrante de una de las mejores agrupaciones de Puerto Rico y el Caribe, en este año se retira y se iría con la Orquesta de Bobby Valentín se dice también que su retiro se dio tras confrontar problemas con Yolandita Rivera (quien cantaba también en la Ponceña), situación que el artista cataloga como “un mal entendido que gracias a Dios está resuelto, porque hoy somos los mejores amigos, como hermanos”.

Luigi Texidor “El Negrito del sabor”

El éxito que cultivaron la unión de estas grandes voces se vio reflejado en los trabajos discográficos: Tiene pimienta (1975), Conquista musical (1976), El Gigante del Sur (1977), La Orquesta De Mi Tierra (1978), Explorando (1978), Energized (1979) y de los cuales salieron éxitos como:El pío pío, Omelé, Boranda, Noche como boca e’ lobo, Tumba mambo y Ñañara cai en la prodigiosa voz de Luigi Texidor Rumba en el patio, Lo que el viento se llevó, Hasta que se rompa el cuero, en la extraordinaria voz de Yolandita Rivera Moreno soy, Ahora me Rio yo, y el excelente tema Canto al amor:

“Cántale al mundo canta corazón cántale a la vida una linda canción alalala…nunca he logrado otro amor por siempre brillara como estrella fugaz y ya florecerá la rosa del jardín de la felicidad....el amorrr te rompe el coco…”


8. Tiene pimienta - Inca, 1975
1. Tiene pimienta
2. La montaña del oso
3. La fiesta no es para feos
4. Alguien me habló
5. No muere el son
6. Mayeya
7. Hachero sin hacha
8. No me quieras tanto
9. Tumba mabó
10. Homenaje a las gordas

9. Conquista musical - Fania, 1976
1. Nanara cai
2. Bomba carambomba
3. Canto al jibarito
4. Clave
5. Esta es Venezuela
6. Pollerá "colorá"
7. El tiempo
8. El pío, pío

10. El gigante del sur - Fania, 1977
1. Boranda
2. Yeyei
3. Soy tan feliz
4. Si no me meto
5. Gotera
6. Rumba en el patio
7. Noche como baca de lobo
8. Cuando estemos viejos
9. Omelé
10. Nocturnal

11. La Orquesta de mi tierra - Fania, 1978
1. Hasta que se rompa el cuero
2. Madrugando
3. Todo y nada y seguiré mi viaje
4. Lo que el viento se llevó
5. Ahora yo me río
6. Llanto de luna
7. Perico sin pico
8. Orquesta de mi tierra

12. Explorando - Fania, 1978
1. Jubileo
2. Se formó
3. Te quiero tanto
4. Moreno soy
5. Sentimiento jíbaro
6. Suena el piano
7. No vas a verme llorar
8. Canto al amor

13. Energized - Inca, 1979
1. Pío, pío
2. Nanara cai
3. Moreno soy
4. Jubileo 20
5. Canto al amor
6. Tiene pimienta
7. Boranda
8. Noche como boca de lobo


Una nueva etapa comienza en 1979 con nuevas caras en la Sonora Ponceña ingresaba de Guanica Edwin Rosas, árbitro internacional de voleybol, que llegó a apoyar los coros y la percusión menor, un personaje ejemplar que con el tiempo se convirtió en la mano derecha de los Lucca. Ese mismo año el mundo salsero se sorprende cuando Celia Cruz viaja a Puerto Rico a grabar con la Ponceña La Ceiba y la Siguaraya.


14. Sonora Ponceña y Celia - La Ceiba - Fania, 1979
1. Soy Antillana
2. Sonaremos El Tambo
3. Abreme La Puerta
4. Y Volvere
5. A La Buena Si
6. Fina Estampa
7. Raices
8. La Ceiba Y La Siguaraya
Album de donde se extraen los temas. Soy antillana, Sonaremos el tambó, Ábreme la puerta, Y volveré, Fina estampa, Raíces, La ceiba y la siguaraya y A la buena sí:

“A la buena si… a la mala no.. a la buena haz de mi lo que quieras…a la mala nooo a la buena mi alma te robas…..”






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A partir de 1979, Tato Santaella, el legendario bajista, que nunca leyo el pentragama y siempre se aprendió los temas "a oreja" antes de ir a los ensayos, era desplazado a nivel de grabación por Efrain Hernández, el motivo, el profesionalismo que se le exigía a los músicos que ingresaban a los estudios de grabación, todos sin excepción, tenían que ser buenos lectores para ahorrar tiempo. Sin embargo, el empirico, timido y silencioso Tato Santaella, protejido de Don Quique desde los años 50 cuando lo descubrió como bongosero y luego le regaló su primer bajo de cajón, seguiría tocando los bailes y conciertos de La Ponceña hasta el día de su muerte en julio 1989, después de 21 discos.

Le llegan los años 80s a la Ponceña y con ellos nuevos trabajos además Papo Lucca decide incorporar dos novedades, ya se había definido la cuerda de vientos con cuatro primeras trompetas, que hasta el 78 había sido de tres y al repertorio salsero se le sumaba el latin jazz, que le abrió nuevos mercados y seguidores a La Ponceña a nivel internacional.

Sus trabajos discográficos: New heights (1980), Unchained force (1980), Night raider (1981), Determination (1982), Future (1984), Jubilee (1985), Back to Work (1987), On The Right Track (1988) nos regalaban de nuevo los indiscutibles éxitos tales como: Ahora sí, Sonora pal' bailador, Remembranza, Cuestiones de amor, Timbalero, Yambeque, Soledad, Canción, Bello y monumental, Te vas de mí, “Te vas muy lejos ya lo se te vas de mi y yo me quedo corazón sufriendo aquí…” Sigo pensando en ti, Sola vaya, y Como te quise yo, “Cuando al fin esto haya terminado por todo lo que ha pasado muy seguro te diré…como te quise yo.. nadie te querrá.. nadie te querrá como te quise yo..” Además homenajean a su gran amigo Toñito Ledee dedicándole una canción que lleva precisamente su nombre.

“Que dolor cuando se nos va un amigo.. un amigo tan querido que dolor ayyy Dios quiero toñito ledee este homenaje sencillo en donde quiera que estés lo recibas con cariño… para toñito ledee y con mucho sentimiento a donde quiera que este va nuestro agradecimiento..”


15. New heigths - Fania, 1980
1. Ahora
2. Sonora "pal" bailador
3. No seas así
4. Drama
5. Vas por ahí
6. Timbalero
7. Night in Tunisia
8. Barra limpia




16. Unchained force - Fania, 1980
1. Mi lindo yambu
2. Huracán
3. Éxtasis de amor
4. Nicas dream mambo
5. Luz negra
6. Pensándolo bien
7. Borinquen
8. Remembranza

17. Night raider - Inca, 1981
1. Ramona
2. Caballo viejo
3. Lo mejor
4. Borrachera (con Tonito Ledee)
5. Algo fácil
6. Umi-layé (con Tonito Ledee)
7. Nada para ti (con Tonito Ledee)
8. Cuestiones de amor (con Tonito Ledee)


18. Determination - Inca, 1982
1. Yambeque
2. Soledad
3. Creo en ti
4. Herida cerrada en falso
5. Date cuenta
6. Si la ven
7. Joldo
8. Aunque te quiero

19. Future - Fania, 1984
1. Agua a la candela
2. El amor
3. El dulcero
4. Woody's blue
5. Cómo te quise yo
6. Yo a ti, tú a mí
7. Te diré muchas cosas
8. Esta es sonora ponceña


20. Jubilee - Inca, 1985
1. Jubileo 30
2. Ódiame
3. El soñador
4. Nunca serás mía
5. Satin n'lace
6. Fuego en el 23
7. Medley Sonora ponceña (Jubileo 30, Sonora "pa'l" bailador, Timbalero, Hachero "pa" un palo)

21. Back to work - Inca, 1987
1. Canción
2. Te vas de mí
3. No bebo más
4. Pensamiento
5. Night love
6. Maleta
7. Sola vaya
8. Bello y monumental

22. On the right track - Inca, 1988
1. Canción
2. Te vas de mí
3. No bebo más
4. Pensamiento
5. Night love
6. Maleta
7. Sola vaya
8. Bello y monumental

También en 1985 celebran su 30 aniversario con dos volúmenes que recopilaban sus grandes éxitos.

“Cada momento que pasa nos sentimos mas atraídos por nuestras raíces con profundo orgullo decimos esto es de nosotros por que sentimos vibraciones aun sin conocer, ráfagas de emociones que llevan y traen momentos de profundos recuerdos, hoy con Don Quique Lucca, Papo Lucca y la Sonora Ponceña en sus 30 años el repertorio hispanoamericano cobra vigencia porque han sabido buscar su sitio en la tarima: La Sonora Ponceña”


23. 30th annyversary vol. 1 - Fania, 1985
1. Fuego en el 23
2. Yambeque
3. Date cuenta
4. Boriquen
5. Ramona
6. Paño de lágrimas
7. Snacocho Prieto
8. Hasta que se rompa el cue
9. Canta al amor
23. 30th annyversary vol. 2 - Fania, 1985
1. El pío, pío
2. Vas por ahí
3. Bomba carambomba
4. Remembranza
5. Cuestiones de amor
6. Boranda
7. Soy antillana
8. Juana Bayona
9. Orquesta de mi tierra
10. Changuiri

Después de la muerte de Toñito Ledee, se inicia para la Ponceña una etapa dificil que se supera a punta de disciplina y trabajo constante. Epoca en que predominan las voces de Pichie Perez, Manny, Danny Davila. También en 1985 se retira Miguel Ortíz (cantante), después de 11 años y 12 discos, y en 1987 se retira Heriberto "Ayatollah" Santiago (trompeta), después de 7 años y 5 discos.

Llegan los 90s para La Ponceña y con ellos el paso fugaz pero efectivo de una voz como la de Luisito Carrion a quien La Ponceña lo tuvo como vocalista entre el 90 y el 92, dándole la oportunidad de cantar temas como A comer lechón y Yaré:
“Se me fue yare, se marcho yare, la mujer que yo quería se fue y me abandono, como yo sufrí, como yo llore, cuando la vi, que se marcho...así quería verte yare, sufriendo y buscándome...”

“Luisito Carrion”

Por este tiempo Papo Lucca estrena su nuevo estudio de grabación en su casa de Ponce, con una producción de latin jazz, esperada desde hace muchos años por los melomános. El estudio Pianissimo recording ,descubre e inaugura también al hijo de Papo, a Enrique Lucca Jr, como un excepcional ingeniero de sonido.

La Ponceña empezaba a coquetearle inteligentemente a la salsa romántica, capturando con esta versión una nueva generación de salseros en toda latinoamerica.

Los 90s llegaron con los trabajos: Into the 90's (1990), Merry Christmas (1991), Guerreando (1992), Birthday party (1993), Soul of Puerto Rico (1993), Apretando (1995), On target (1998), de los cuales salieron los éxitos: Yaré, Quiero seguir siendo tu amante, Tan bueno que era, Busco en sueños, Fea, No vale la pena, y Como amantes:

“Y es que tengo tantas ganas de tenerte como antes… es que solo me interesa ser tu amigo ser tu amante quedarme en tu sonrisa aunque sea una vez mas y aplacar las sensaciones que al pensar en ti me dan…..como amigo como amante…”


24. Into the 90's - Fania, 1990
1. Como amantes
2. El tiempo
3. Saoco
4. Abuela
5. Zonas prohibidas
6. Yare
7. Homenaje a tres grandes del teclado
8. Quiero seguir siendo tu amante

25. Merry Christmas - Inca, 1990
1. A La Patria Mia
2. Tan Bueno Que Era
3. Arbolito De Navidad
4. Abre La Puerta
5. Que Bueno Es Cantar
6. Como Cambian Las Cosas
7. Santa Claus Is Coming To Town
8. A Comer Lechon

26. Guerreando - Inca, 1992
1. Espuma y arena
2. Laya, laye
3. Causas y azares
4. Guava no
5. Trabajando
6. Cuando te encontré
7. Fuego en la bahía
8. Te regalaré

27. Birthday Party - Lavel, 1993
1. Descendencia
2. Mi cantar
3. Canción para mi viejo
4. sonaremos el tambó
5. El rincón caliente
6. si alguna vez
7. Fe
8. Celebración


28. Soul of Puerto Rico - Charly, 1993
1. Canción
2. No bebo más
3. Abanacue
4. Saoco
5. Montaña del oso
6. Cali
7. Sigo pensando en ti
8. Lo que el viento se llevó
9. Maleta
10. Tumba mabo
11. El pío, pío
12. Boriquen

29. Apretando - Fania, 1995
1. Date prisa
2. Fea
3. El momento
4. Busco en sueños
5. Si estoy junto a ti
6. No me muero todavía
7. Los sueños
8. Guaguancó de esquina


30. On Target - Sony, 1998
1. No vale la pena
2. Soy jíbaro
3. Tannenbaun a la lucca
4. Fea
5. Congo carabali
6. Para eso es la amistad
7. Percusión
8. Celoso
En 1990 se retira Efraín "Frao" Hernández (bajo), después de 10 años y 7 discos, en 1990 Angel Hernández (bongó), se retira después de 14 años y 13 discos, en 1991 Vicente "Pequeño Johnny" Rivero (tumbadora), se retira después de 16 años y 15 discos, en 1993 Ramón "Tony El Cordovés" Rodríguez (trompeta), otro de los que venía desde el primer disco, se retira después de 24 discos, en este año también La Sonora Ponceña es invitada al magno festival de orquestas celebrado en Barranquilla-Colombia, donde se les otorgó el premio Congo de Oro a la mejor agrupación internacional, en 1993 se retira Freddie Del Valle (trompeta) después de 6 años y 5 discos. En octubre de 1994, La Sonora Ponceña celebra su 40 Aniversario en un magno festival en el Estadio Juan Ramón Lubriel, de Bayamón, Puerto Rico. Se presentan luego en el Madison Square Garden en la Ciudad de Nueva York para continuar con su celebración de los 40 Años de buena música.

En 1995 vuelven a grabar dos interpretes que estuvieron hace varios años con La Ponceña, Luis Guillermo "Luigi" Texidor, después de 19 años de haberse retirado, y Yolanda Rivera, después de 14 años de haberse retirado. Ese año se presentan en la Ciudad de París, Francia, y participan además en el Desfile de la Hispanidad, celebrado en la Ciudad de Zaragoza, España. En 1996 se presentan en el Carnaval celebrado en Boca del Río en Veracruz, México.


Y el nuevo milenio comienza para La Ponceña con la producción Sonora Ponceña Live 45 años, un doble CD de envidiable realización grabado en vivo el 19 de febrero del 2000 en el Anfiteatro Tito Puente de Puerto Rico. Esta vez los Lucca tiran la casa por la ventana invitando a la crema innata del soneo clásico en Puerto Rico : Andy Montanez, Ismael Miranda y El Cano Estremera quien en su habitual irreverencia incita a Papo a un duelo de piano y voces en una irrepetible versión de Boranda de 13:32 minutos. Descubrimos a Wito Colon, un modesto sonero sureño con el timbre similar a Luis Carrion que desde la época de La Terrífica siempre estuvo en la mira de la Ponceña. También se une a la fiesta Raffy Santana cantándole a Lavoe Todo tiene su final y hasta el heredero de Tonito Ledde ,Omar Ledee añorando la grandeza de su padre en Remembranzas.





31. 45 aniversario - Ariola, 2000 (LIVE)
Disco 1
1. Fea
2. Remembranza
3. Persecución
4. Canción
5. Timbalero
6. Fuego en el 23
7. Jubileo 40
8. Hachero "pa" un palo
9. Tú y yo
Disco 2
1. Boranda
2. Pío, pío
3. Todo tiene su final
4. Jubileo 45
5. Borinquén
6. Canto al amor
7. Homenaje a 3 grandes
8. solavaya
9. Ahora sí

32. "Puro sabor" (Recopilacion) - Sonido, Inc, 2000
1. Acere ko
2. Fuego en el 23
3. Prende el fogón
4. Changuiri
5. Boranda
6. Remembranza
7. Sancocho Prieto
8. Soy antillana
9. Borinquen
10. Hasta que se rompa el cuero
11. Nunca serás mía
12. Canción


El 20 de abril del 2004 La Ponceña cumplió 50 años de vida, En 1954 Don Quique nunca se imaginó que estaría frente a su orquesta celebrando cincuenta años de trabajo musical a la edad de 91 años. En su jubileo de oro, que se celebró el 21 de febrero en el Coliseo Rubén Rodríguez de Bayamón, La Sonora Ponceña reafirmó su posición como una de las agrupaciones más célebres de Puerto Rico, con una trayectoria que incluye 35 discos y un itinerario actual de más de 150 actividades bailables al año.

Los cantantes actuales de la orquesta interpretaron una muestra de varios de los temas que forman parte del extenso repertorio de éxitos orquestales como Wito, Pichie, Danny y Edwin interpretaron, con soltura y sabor, Vas por ahí, Ecué baroni, Date cuenta, La clave, Nosotros, Ahora yo me río, Ramona, y otros.

Varios artistas invitados se sumaron a la celebración. El primero en presentarse fue Mannix Martínez, quien conserva su timbre juvenil. Justo Betancourt, con su pinta de guarachero (bajo un sombrero blanco) y su informalidad sonera, interpretó Bomba carambomba. Luisito Carrión, uno de los mejores cantantes del género en el Caribe, volvió a deslumbrar con su gracia, talento y buen humor interpretando Yaré.

Tito Gómez viajó desde Nueva York, aún con las restricciones que le impone una deuda con la sociedad. Estuvo formidable con Tumba la caña jibarito un tema que hacía más de 30 años que la orquesta no interpretaba en sus presentaciones. Por su parte, José Alberto "El Canario" recreó con swing y sabor el tema Yambeque. El flautista Johnny Pacheco, ícono del movimiento salsero en Nueva York, tuvo una intervención discreta y breve en el tema Sonero, en homenaje al fenecido Peto "El Conde" Rodríguez. La velada contó también con Bobby Valentín, George Padilla, Cachete Maldonado, Vicente "Pequeño Johnny" Rivero y Roberto Roena quienes se integraron a la orquesta.

En esta ocasión, Don Quique, Papo y La Sonora Ponceña recibieron el reconocimiento de la Cámara de Representantes y de la Legislatura de Puerto Rico por la aportación que éstos han hecho a la música popular en Puerto Rico y el mundo entero durante 50 años. Así mismo, fueron reconocidos por la Ciudad de Mayagüez.

El vigésimo tercer Día Nacional de la Salsa, celebrado en Carolina, Puerto Rico el 16 de marzo de 2004, fue dedicado a Don Quique, Papo y La Sonora Ponceña por motivo de la celebración de su 50 Aniversario.
Desde aquel 1954 hasta el día de hoy y con su ultimo trabajo Back to the Road La Ponceña sigue difundiendo este ritmo que tanto nos apasiona, por todos los rincones del mundo, llegaron a los 50 años y esperamos que cumplan cincuenta mas.


33. Back to the Road - Sony, 2004
1. Caprichosa
2. Pensándolo bien
3. Gracias, señor
4. Con maña, sí
5. De la mata son
6. Lejanía
7. Como mangó
10. Cenizas
11. Verde luz
12. Con tres tambores batá
13. Nica's dream

Bob Marley & Wailers----------Discografia

Robert Nesta Marley (Nine Miles, Saint Ann Parish, Jamaica, 6 de febrero de 1945 - Miami, 11 de mayo de 1981), mejor conocido como Bob Marley, fue un músico jamaicano y miembro del movimiento Rastafari. Su fe fue una parte importante de su carrera. Es considerado como un profeta Rastafari.

Robert Nesta Marley nació el 6 de febrero de 1945 en Nine Miles (Rhoden Hall, Saint Ann) una pequeña localidad al norte de la isla de Jamaica, en el Mar Caribe, era hijo de Cedella Booker, una afro-jamaiquina de 18 años y de Norval Marley; un jamaicano blanco de ascendencia escocesa, capitán de los Marines Reales (infantería de marina británica), de 50 años, que se desentendió de su hijo por miedo a ser desheredado. A finales de los años cincuenta, Bob se trasladó con su madre a Kingston, la capital, donde los habitantes de las zonas rurales acudían para mejorar su situación económica. Por desgracia para la mayoría, su destino eran los barrios pobres.

Bob creció en ese ambiente donde conoció a Neville O’Riley Livingston, más conocido como Bunny, con quien comenzó a interesarse por la música, llegando a componer y tocar algunas canciones. Muy influenciados por la música de Ray Charles, Curtis Mayfield, Brook Benton o Fats Domino, y de grupos como The Drifters muy populares en Jamaica que se escuchaban en la emisiones radiofónicas de las emisoras del sur de los Estados Unidos. Bob Marley alternó el trabajo en una empresa de fundición, donde se quemó en un ojo, con la música. Bob y Bunny recibieron formación musical de Joe Higgs, un cantante venido a menos que había gozado de cierta fama en Jamaica y que se ganaba la vida impartiendo clases de canto para principiantes. En una de esas clases conocieron a otro joven músico llamado Winston Hubert McIntosh (Peter Tosh). En 1962 Bob Marley participó en una audición para un productor musical llamado Leslie Kong que, impresionado, le invitó a grabar algunas canciones. Al año siguiente Bob decidió que el mejor camino para alcanzar su sueño, lo tenía planteado acaso, no lo sabremos, mediante un grupo. Compartió su idea con Bunny y Peter y los tres formaron los "Wailing Wailers" (literalmente, "Gritos de protesta". El nuevo grupo ganó la simpatía del percusionista rastafari Alvin Patterson, que los presentó al productor Clement Dodd. A mediados de 1963 Dodd vio a los Wailing Wailers y decidió promocionar al grupo. Los Wailing Wailers lanzaron su primer single, "Simmer Down", con la discográfica Coxsone a finales de 1963. La formación original estaba compuesta por Bob, Bunny, Peter, Junior Braithwaite y dos coristas, Beverly Kelso y Cherry Smith.


The Wailers

Mientras tanto, la madre de Bob, Cedella, se había casado nuevamente y se había mudado a Delaware, Estados Unidos, tras un importante esfuerzo económico. Ella deseaba dar a Bob una nueva vida en este país, pero antes del viaje, él conoció a Rita Anderson y el 10 de febrero de 1966 se casaron. Bob Marley pasó apenas ocho meses con su madre en Wilmington, Delaware. Allí consigue un trabajo en el turno de noche de una planta de automóviles de Chrysler. Bob llegó a Kingston en octubre de 1966, apenas seis meses después de la visita de Su Majestad Imperial, o Emperador Hailè Selassiè, de Etiopía, que impulsó y renovó el importante movimiento rastafari de la isla. El acercamiento de Bob con la creencia Rastafari comienza a reflejarse en su música. Bob, entretanto, llamó a Peter y Bunny para formar una nueva banda, los míticos "The Wailers". Rita también comenzaba su carrera como cantante con un importante éxito llamado "Pied Piper", una versión de una canción pop inglesa. En Jamaica, la frenética ola del ska estaba dando lugar a un ritmo más lento y sensual llamado rocksteady. Las creencias rastafari de los Wailers chocaron con Dodd y éstos fundaron su propio sello discográfico, "Wail’N’Soul". A pesar de conseguir algunos éxitos, el sello no responde a las expectativas y quiebra en 1967. El grupo sobrevive fungiendo como compositores de una compañía asociada a un cantante estadounidense, Johnny Nash, quien en la década siguiente tendría un gran éxito con la canción "Stir It Up", de Bob.

Los Wailers conocieron entonces a un hombre que revolucionaría su trabajo: Lee Perry. La asociación entre Perry y los Wailers trajo consigo algunos de los éxitos más notables de la banda como "Soul Rebel", "Duppy Conqueror", "400 Years" y "Small Axe", clásicos del futuro reggae. En 1970, dos de los músicos más reconocidos de la isla, Aston 'Family Man' Barrett y su hermano Carlton (bajo y batería, respectivamente) se unirán a los Wailers, quienes por aquel entonces arrasaban en el Caribe, pero internacionalmente continuaban siendo desconocidos.

En el verano de 1971 Bob aceptó una invitación de Johnny Nash para acompañarlo a Suecia, ocasión en que firmó un contrato con la CBS, que también era la discográfica del estadounidense. En la primavera de 1972 los Wailers aterrizaron en Inglaterra para promocionar el single "Reggae on Broadway", pero no cosecharon demasiados éxitos. A la desesperada, Bob visitó los estudios de grabación de Island Records, que había sido la primera discográfica en interesarse por la música jamaicana, y pidió hablar con su fundador, Chris Blackwell. Blackwell conocía a los Wailers y les ofreció 4 mil libras para grabar un álbum con los últimos avances tecnológicos de la industria musical, los mismos que gozaban las bandas de rock de la época. Ese primer álbum fue "Catch A Fire", fuertemente promovido por Island. El disco no fue un éxito inminente, y es que la música y las letras comprometidas socialmente de Bob contrastaban bastante con lo que se estaba haciendo hasta entonces en Europa. Island promovió una gira del grupo por Inglaterra y los Estados Unidos, otra novedad para una banda de reggae. Los Wailers tocaron en Londres en abril de 1973 y tres meses más tarde el grupo volvió a Jamaica. Bunny, desengañado de la vida musical, abandonó la banda antes de la gira estadounidense. En su lugar entró Joe Higgs, el viejo profesor de música de los Wailers. Ya en los Estados Unidos, participaron en algunos conciertos de Bruce Springsteen y Sly & The Family Stone, la principal banda de música negra estadounidense del momento.

En 1973 el grupo lanzó su segundo álbum con el sello Island, "Burnin’", un disco que incluía nuevas versiones de algunas de sus canciones más importantes, como: "Duppy Conqueror", "Small Axe" y "Put It On", junto con "Get Up, Stand Up" y "I Shot The Sheriff". Fue justamente este último tema el que consagró internacionalmente a Bob Marley de la mano de la voz de Eric Clapton, alcanzando el primer lugar en la lista de los sencillos más vendidos en los Estados Unidos. En 1974, Bob Marley pasó gran parte de su tiempo en el estudio trabajando en "Natty Dread", un álbum que incluía canciones como "Talkin’ Blues", "No Woman No Cry", "So Jah Seh", "Revolution", "Them Belly Full (But We Hungry)" o "Rebel Music (3 o’clock Roadblock)". Al año siguiente, Bunny y Peter dejarían definitivamente el grupo para embarcarse en sus carreras en solitario, lo que provocó que la banda comenzase a ser conocida como Bob Marley & The Wailers. "Natty Dread" fue lanzado en febrero de 1975. En cuanto a las giras, destacan dos: una en el Lyceum Ballroom de Londres, que fue catalogada como una de las mejores de la década (El disco Live es este concierto). Y la segunda en noviembre, cuando Bob volvió a Jamaica para tocar en un concierto benéfico con Stevie Wonder, ya como superestrella en su país y en el mundo. "Rastaman Vibrations", el siguiente álbum de estudio, fue lanzado en 1976. El trabajo incluía canciones como "Crazy Baldhead", "Johnny Was", "Who The Cap Fit" y, tal vez la más significativa de todas, "War", cuya letra fue extraída de un discurso del Emperador Hailè Selassiè, en las Naciones Unidas.


Llega el Éxito

En los años 70 Jamaica vivía un empeoramiento de su ya típica violencia política; la situación degeneró en una guerra civil callejera entre pandillas de pistoleros militantes de los dos grandes partidos políticos tradicionales, el Partido Nacional del Pueblo (socialista democrático) y el Partido Laborista de Jamaica (centro-derecha conservador). El Ejército y la Policía de Jamaica tomaron las calles, pero no pudieron contener la violencia entre los dos bandos enfrentados.

Bob Marley era entonces un pacifista no-político en Jamaica, un músico ya consagrado y un auténtico propulsor de la fe rastafari. Bob Marley decidió participar en un concierto gratuito en el Parque de los Héroes Nacionales de Kingston, el 5 de diciembre de 1976 para promover la paz y la reconciliación nacional, y así ayudar a frenar la violencia. Pero sectores del entonces opositor Partido Laborista de Jamaica criticaron el concierto porque pensaban que estaba parcializado y en realidad era un acto de apoyo al Primer Ministro y líder del Partido Nacional del Pueblo, Michael Manley (señalado como amigo de Bob Marley); de hecho Michael Manley era el organizador detrás del evento. Después del anuncio del concierto, el gobierno de Manley convocó elecciones para el día 15 de diciembre (en un claro intento de sacar provecho político del mismo en plena campaña electoral). El 3 de diciembre de 1976, dos días antes de “Smile Jamaica”, Bob, su esposa Rita, Lewis Griffith y el manager Don Taylor fueron heridos en un atentado por pistoleros desconocidos dentro de su casa en 56 Hope Road, Jamaica; se piensa que el atentado fue una represalia de los sectores políticos que rechazaban el concierto por su supuesto carácter de apoyo al gobierno de Manley, aunque algunos creyentes en teorías conspirativas barajan la posibilidad de que estuviese la CIA involucrada (ya que Michael Manley se había acercado mucho a la Cuba de Fidel Castro). Bob fue herido por disparos de arma de fuego en el pecho (muy cerca del corazón) y un brazo, su esposa Rita en la cabeza, Lewis Griffith en el estomago y el manager Don Taylor también fue hospitalizado por cruzarse en la línea de fuego. Afortunadamente después de un tiempo se recuperaron por completo. Dos días después del atentado, Bob se montó en la tarima y cantó. Cuando le preguntaron el porqué, el dijo: “La gente que está tratando de hacer este mundo peor no se toma ni un día libre, ¿cómo podría tomarlo yo? Ilumina la oscuridad.” Fue la última presentación de Bob en Jamaica durante los próximos 18 meses. Temiendo otro atentado, dejó el país para irse a vivir a Londres, donde grabó su siguiente álbum, "Exodus", uno de los más importantes de su carrera y del reggae.
Bob Marley tiene su propia estrella en Paseo de la Fama de Hollywood.

Lanzado en el verano de aquel año, "Exodus" consolidó el status internacional de la banda, permaneciendo en las listas de Inglaterra durante 56 semanas seguidas y teniendo los tres sencillos - "Waiting in Vain", "Exodus" y "Jamming’" - como grandes éxitos mediáticos. En 1978 la banda consiguió un nuevo éxito con "Kaya", que alcanzó el cuarto lugar en Inglaterra a la semana siguiente a su lanzamiento. Del álbum fueron extraídos dos sencillos: "Satisfy My Soul" e "Is This Love?". En abril de 1978 volvió a Jamaica para el "One Love Peace Concert", cuando consiguió que el Primer Ministro Michael Manley y el líder de la oposición Edward Seaga se diesen la mano en el escenario, en un esfuerzo para frenar la violencia política y promover la reconciliación nacional. Fue entonces invitado para ir a la sede de las Naciones Unidas, en Nueva York, para recibir la Medalla de la Paz. Y, a finales de año, Bob viajó a África por primera vez, visitando inicialmente Kenia y después Etiopía, hogar espiritual rastafari. La banda había terminado recientemente una gira por Europa y los Estados Unidos, de donde se sacó material para el segundo álbum en vivo: "Babylon By Bus". "Survival", el noveno álbum de Bob Marley con Island fue lanzado en el verano de 1979. Incluía "Zimbabwe", un himno para Rodesia, que luego sería liberada, junto con "So Much Trouble In The World", "Ambush In The Night" y "Africa Unite". Como indica la portada, que contiene las banderas de las naciones independientes, "Survival" fue un álbum en homenaje a la causa Panafricana. En abril de 1980, el grupo fue invitado oficialmente por el gobierno del recientemente libertado Zimbabwe para tocar en la ceremonia de independencia de la nueva nación.

El siguiente disco de la banda, "Uprising", fue lanzado en mayo de 1980 y tuvo un éxito inmediato con "Could You Be Loved?". El álbum también traía "Coming In From The Cold", "Work" y la famosa "Redemption Song". Los Wailers entretanto se embarcaban en su mayor gira europea, rompiendo records de asistencia en un concierto. La agenda incluía un concierto para 100.000 personas en Milán, el mayor de la historia de la banda. Bob Marley & The Wailers eran la mayor banda en gira de aquel año y "Uprising" estaba en todas las listas de Europa. Era un período de máximo optimismo y estaban haciendo planes para una gira en los Estados Unidos en compañía de Stevie Wonder al final del año.


Últimos años de vida y su muerte

Al acabar la gira europea Bob Marley y la banda partieron para los Estados Unidos. Bob hizo dos conciertos en el Madison Square Garden, pero cayó gravemente enfermo mientras corría por Central Park. Tres años antes, en Londres, se había herido el dedo del pie jugando al fútbol. La herida se volvió en su contra y, a pesar de haber sido tratado en Miami, continuó reproduciéndose. En 1980, el cáncer comenzó a propagarse por el cuerpo de Bob. Controló la enfermedad durante ocho meses, siguiendo tratamiento en la clínica del Dr. Joseph Issels, en Baviera. El tratamiento de Issels levantó mucha polémica porque sólo usaba remedios naturales y no tóxicos y, por algún tiempo, pareció funcionar en Bob. A comienzos de mayo dejó Alemania para volver a Jamaica, pero no completó su viaje.

Bob Marley murió en un hospital de Miami el 11 de mayo de 1981 a los 36 años. Un mes antes, Bob había sido condecorado con la Orden del Mérito de Jamaica, la tercera mayor honra de la nación, en reconocimiento de su inestimable contribución a la cultura del país. El 21 de mayo de 1981, Robert Nesta Marley O. M. recibía un funeral oficial del pueblo de Jamaica. Después del funeral (al que asistió tanto el Primer Ministro como el líder de la oposición) el cuerpo de Bob fue llevado a su tierra natal, Nine Miles, en el norte de la isla, donde ahora descansa en un ataúd de bronce, con su mano derecha acariciando su guitarra, y en la izquierda sostiene la biblia abierta en el salmo 23, uno de sus preferidos.


DISCOGRAFIA





Bob Marley - 1967 - Keep On Skanking

01. All In One
02. Keep On Moving
03. Keep On Skanking
04. Shocks Of Mighty (Soul Almighty Ve
05. Brand New Second Hand
06. Jungle Dub
07. Satisfy My Soul Babe (Version)
08. Dracula (Version)
09. Vs. Lee Scratch Perry Dreamland (Featuring Bunny Wailer)
10. Comma Comma


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Bob Marley - 1970 - African Herbsman

1. 400 years
2. African Herbman
3. Brain Washing
4. Duppy Conqueror
5. Kaya
6. Lively Up Yourself
7. Put It On
8. Riding High
9. Small Axe
10. Stand Alone
11. Sun Is Shinning
12. Trench Town Roc

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Bob Marley - 1972 - Best Of The Wailers

01. Go, Tell It on the Mountain
02. Soul Shakedown Party
03. MrBob Marley- Chatterbox
04. Hold on to This Feeling
06. Sugar, Sugar
07. Can't You See
08. MrBob Marley- Chatterbox
09. Soon Come
11. Stop the Train
12. Soul Captive
13. Cheer Up
14. Give Me a Ticket

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Bob Marley - 1972 - Satisfy My Soul

01. Redder Than Red
02. Guava Jelly
03. Craven Choke Puppy
04. Acoustic Medley
05. Dance Do The Reggae
06. Dub Feeling
07. Satisfy My Soul
08. Trouble Dub
09. Cry To Me
11. Gonna Get You
12. Guava Jelly
13. I’m Hurting Inside
14. Samba
15. Pour Down Your Sunshine
16. Reggae on Broadway
17. Screw Face
18. Stay With Me
19. Gonna Get You

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Bob Marley - 1973 - Burnin'

1. Get Up, Stand Up
2. Hallelujah Time
3. I Shot The Sheriff
4. Burnin' And Lootin'
5. Put It On
6. Small Axe
7. Pass It On
8. Duppy Conqueror
9. One Foundation
10. Rasta Man Chant

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Bob Marley - 1973 - Catch A Fire

1. "Concrete Jungle"
2. "Slave Driver"
3. "400 Years"
4. "Stop That Train"
5. "Baby We've Got A Date (Rock It Baby)
6. "Stir It Up"
7. "Kinky Reggae"
8. "No More Trouble"
9. "Midnight Ravers"

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Bob Marley - 1973 - Rock To The Rock

01. Rock To The Rock
02. Rocking Steady
03. How Many Times
04. Touch Me
05. Mellow Mood
06. There She Goes
07. Soul Rebel
08. Put It On
09. Chances Are
10. Love
11. Bend Down Low
12. The World Is Changing
13. Nice Time
14. Treat You Right
15. What Goes Around Comes Around

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Bob Marley - 1974 - Natty Dread

01. Lively Up Yourself
02. No Woman No Cry
03. Them Belly Full
04. Rebel Music
05. So Jah Seh
06. Natty Dread
07. Bend Down Low
08. Revolution
09. Talkin’ Blues

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Bob Marley - 1975 - Live At The Lyceum

01. Trenchtown Rock
02. Burnin' And Lootin'
03. Them Belly Full
04. Lively Up Yourself
05. No Woman, No Cry
06. I Shot The Sheriff
07. Get Up, Stand Up


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Bob Marley - 1976 - Live Jam 12-02-73

01. Rastaman Vibration
02. Bend Down Low
03. Catch A Fire
04. Can't Blame The Youths
05. Stop That Train
06. Burning And Lootin
07. Kinky Reggae
08. Get Up Stand Up
09. Lively Up Yourself
10. Walk The Proud Land

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Bob Marley - 1976 - Rastaman Vibration


1. Night Shift
2. War
3. Cry To Me
4. Positive Vibration
5. Rat Race
6. Johnny Was
7. Who The Cap Fit
8. Roots Rock Reggae
9. Want More
10. Crazy Baldheads

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Bob Marley - 1977 - Exodus

01. Natural Mystic
02. So Much Things To Say
03. Guiltiness
04. The Heathen
05. Exodus
06. Jamming
07. Waiting In Vain
08. Turn Your Lights Down Low
09. Three Little Birds
10. One Love

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Bob Marley - 1977 - Live From London

01. Trenchtown Rock
02. Them Belly Full
03. I Shot The Sheriff
04. Rebel Music
05. Lively Up Yourself
06. Running Away


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Bob Marley - 1978 - Babylon By Bus


1. Positive vibration
2. Punky reggae party
3. Exodus
4. Stir it up
5. Rat race
6. Concrete jungle
7. Kinky reggae
8. Lively up yourself
9. Rebel music
10. War
11. Is this love?
12. Heathen
13. Jamming

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Bob Marley - 1978 - Bob Marley & Peter Tosh.rar

01 - Judge Not
02 - Stir It Up (Original)
03 - & The Wailers - Nice Time
04 - Back Out
05 - & Peter Tosh - No Sympathy (Version)
06 - Who The Cap Fit
07 - Do It Twiceb
08 - Legalize It
09 - Caution
10 - One Cup Of Coffee
11 - Hypocrites - Songs Of Freedom - Cd1
12 - Wake Up And Live
13 - Don't Rock My Boat
14 - Mellow Mood (Original)
15 - Smile Jamaica
16 - Thank You Lord (Original)
7 - Bus Dem Shut (Pyaka)
18 - One Dub
19 - One Love
20 - Bend Down Low
21 - Kinky Reggae
22 - Cheer Up
23 - & Peter Tosh Arise Blackman
24 - & Peter Tosh Soul Rebel
25 - & Peter Tosh This Train
26 - & Peter Tosh Trenchtown Rock
27 - & Peter Tosh & Jimmy Cliff Pressure
28 - & Peter Tosh (Live 4.10.75) One Love
29 - & Peter Tosh Corner Stone
30 - & Peter Tosh (Live) Stop That Train
31 - & Peter Tosh Downpressor Man
32 - & Peter Tosh Jah Is Mighty
33 - & Peter Tosh Mr. Brown
34 - & Peter Tosh Soul Shakedown Party
35 - & Peter Tosh & The Wailers Stop That Train
36 - Why Should I (Previously Unreleased)
37 - & The Wailers Catch A Fire (Original Jamaican Version) Kinky Reggae
38 - Lee Scratch Perry Vs Try Me
39 - Soul Rebel (Original) 40 - No Water
41 - Keep On Moving (London Version)
42 - I'm Still Waiting
43 - Simmer Down
44 - Legalize It (Live 4-10-75)
45 - Kaya
44 - Lively Up Yourself
47 - Pick Myself Up
48 - Reggae Fever
49 - &The Wailers (Original) All Day All Night
50 - & The Upsetters African Herbsman (Original Vocal)
51 - & The Wailers (Original) - High Tide Or Low Tide
52 - Jah Live (Original)

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Bob Marley - 1978 - Kaya.rar

1. Easy Skanking
2. Kaya
3. Is This Love
4. Sun Is Shining
5. Satisfy My Soul
6. She’s Gone
7. Misty Morning
8. Crisis
9. Running Away
10. Time Will Tell

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Bob Marley - 1978 - One Love Peace Concert.rar

01. Lion Of Judah
02. Natural Mystic
03. Trenchtown Rock
04. Natty Dread
05. Positive Vibration
06. War
07. Jamming
08. Jah Live

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Bob Marley - 1979 - Live From Kingston.rar

1. Natty Dread
2. Positive Vibration
3. War
4. Jammin'

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Bob Marley - 1979 - Survival.rar

1. So Much Trouble In The World
2. Zimbabwe
3. Top Rankin'
4. Babylon System
5. Survival
6. AFRICA UNITE
7. ONE DROP
8. Ride Natty Ride
9. Ambush In The Night
10. Wake Up And Live

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Bob Marley - 1980 - Live At Rockpalast.rar

1. Oppening
2. Natural Mystic
3. Rastaman Vibration
4.Revelation
5.I Shot The Sheriff
6. War / No More Trouble
7.Zimbabwe
8.Jamming
9. No Woman, No Cry
10.Zion Train
11.Exodus
12. Redemption Song
13. Could You Be Loved
14.We Can Make It Work
15. Natty Dread
16. Is This Love
17. Get Up Stand Up

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Bob Marley - 1980 - Uprising.rar


1. "Coming in from the Cold"
2. "Real Situation"
3. "Bad Card"
4. "We and Dem"
5. "Work"
6. "Zion Train"
7. "Pimper's Paradise"
8. "Could You Be Loved"
9. "Forever Loving Jah"
10. "Redemption Song"

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Bob Marley - 1983 - Confrontation.rar

1. Chant Down Babylon
2. Buffalo Soldier
3. Jump Nyahbinghi
4. Mix up, Mix Up
5. Give Thanks and Praise
6. Blackman Redemption
7. Trench Town
8. Stiff Necked Fools
9. I Know
10. Rastaman Live Up!


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Bob Marley - 1985 - The Final Concert 09-23-80.rar

01. Redemption Song
02. Coming In From The Cold
03. Could You be Loved
04. Is This Love

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Bob Marley - 1994 - Legend.rar

1. Is This Love
2. No Woman No Cry
3. Could You Be Loved
4. Three Little Birds
5. Buffalo Soldier
6. Get Up Stand Up
7. Stir It Up
8. One Love People Get Ready
9. I Shot The Sheriff
10. Waiting In Vain
11. Redemption Song
12. Satisfy My Soul
13. Exodus
14. Jamming

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Bob Marley - 1994 - Talking Blues.rar

01. Rastaman Chant
02. Bend Down Low
03. You Can’t Blame The Youth
04. Keep On Moving
05. Fussing And Fighting
06. Stop That Train
07. Burnin’ And The Lootin’
08. Slave Drive

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Bob Marley - 1995 - Natural Mystic.rar

01. Natural Mystic.
02. Easy Skanking.
03. Iron Lion Zion.
04. Crazy Baldheads.
05. So Much Trouble In The World.
06. War.
07. Africa Unite.
08. Trench Town Rock.
09. Keep On Moving.
10. Sun Is Shining.
11. Who The Cap Fit.
12. One Drop.
13. Roots, Rock, Reggae.
14. Pimpers Paradise.
15. Time Will Tell.

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Bob Marley - 1999 - A Rebel's Dream.rar

1. No More Trouble
2. Rebel Music
3. Concrete Jungle
4. Guiltiness
5. Turn Your Lights Down Low
6. Jammin
7. Marley Bros -Kinky Reggae
8. Roots Rock Reggae
9. Black SurviversakaSurvival
10. Burning And Lootin
11. Rastaman Chant
12. Johnny Was

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Bob Marley - 1999 - Chant Down Babylon.rar


1. No More Troubl
2. Rebel Music
3. Johnny Was
4. Concrete Jungle
5. Rastaman Chant
6. Guiltiness
7. Turn Your Lights Down Low
8. Jammin'
9. Kinky Reggae
10. Roots, Rock, Reggae
11. Survival
12. Burnin' and Lootin'


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Bob Marley - 1999 - Selassie Is The Chapel.rar

1. Don’t Rock My Boat
2. The Lord Will Make A Way Somehow
3. Chances Are
4. Selassie Is The Chapel
5. Tread Oh
6. Feel Alright
7. Rhythm
8. Rocking Steady
9. Adam And Eve
10. Wisdom
11. Thank You Lord
12. This Train
13. Give Me A Ticket
14. Trouble On The Road Again
15. Black Progress
17. Tread Oh

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Bob Marley - 2002 - One Love, The Very Best Of.rar

01 - Stir It Up
02 - I Shot The Sheriff
03 - Get Up, Stand Up
04 - No Woman No Cry
05 - Exodus
06 - Turn Your Lights Down Low
07 - I know a place
08 - So Much Trouble In The World
09 - Roots Rock Reggae
10 - Lively Up Yourself
11 - One Love
12 - Three Little Birds
13 - Jammin'
14 - Waiting In Vain
15 - Buffalo Soldier
16 - Could You Be Loved
17 - Sun Is Shining
18 - Is This Love
09 - I Know a Place
20 - Iron Lion Zion
21 - Redemption Song


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Si te quejas de mi, no tienes perdon.

Discografia y Biografia de Ismael Rivera

Hay hombres que forman parte de un ambiente, que lo reflejan en su inmediatez a través de todos sus actos. Son ellos auténticos exponentes del mundo que los ha cultivado. En el han crecido como peces en el agua y pertenecen a los residentes del ambiente. Son los que conocen sus vericuetos y los invisibles laberintos por donde pasan a oscuras, o son sorprendidos los desconocidos.
Ismael Rivera nació en la inmensidad de la salsa y no conoció otro mundo mejor. Es su hijo exacto, un ejemplar perfecto de la gran familia de la bacanería, un hombre versado en divertirse, nacido para atraer tras de sí multitudes. En una entrevista radial el escritor del Libro de la Salsa, César Miguel Rondón, le preguntó cómo había entrado a ese mundo. Sin vacilaciones él le contestó:
Yo no entré en el mundo de la salsa. Yo soy de la Calle Calma de Santurce, Puerto Rico, y en la Calle Calma el reloj, cuando yo me levantaba... era una cosa que hacía: pum qui pum...pum qui pum... y ese reloj como que se metió en mi sangre.
Ismael Rivera es uno de esos extraños sabios que la humanidad produce directamente de la tierra, con sólo moverse dentro de un espacio. Ellos captan la esencia de las indefinibles cosas que están pulsando en todos los rincones de un mismo territorio, apropiándose de ellos hasta elevarse al pedestal de los ídolos. Son sabios curiosos, que no merecen el respeto de buena parte de los más cultos, pues tal sabiduría es un alma que palpita escondida y perdida en la gente. Es una sabiduría que no se manifiesta del todo sino que se mantiene en un estado de latencia en los demás, pero que en ellos brota como una fuente desatada ante el asombro general y para la satisfacción plena. Son sabios de la nada, en fin, sabios de la música popular, sabios de su propio invento.
El día de su suerte, Metido en las drogas hasta la esclavitud, Ismael Rivera fue derrochando su canto en un afán azaroso por encontrar reposo. En sus canciones anticipó su muerte e hizo de ella un festival:
"Mi entierro va a ser el acabóse
ahora verán cómo lo quiero
Lucecitas, coronas, cero flores
pues yo lo que quiero es que lo gocen
también en mi caja yo quisiera
unos cigarrillos y algo fuerte
para seguir bebiendo y fumando
después que me lleven donde quiero
Que no falte Tito Puente, Roberto y su Apollo Sound
Willie Colón con su banda, Pacheco con su tumbao
también Cortijo y su Combo, Tommy Olivencia y su Orquesta
Kako con su Trabuco y Maelo quien les canta
Que vayan tocando mambo
Sones, rumbas y guarachas
para que todas las muchachas
con sus parejas vayan echando
y a lo mejor de la caja yo me levanto
y salgo a bailar
Yo me levanto y salgo a bailar
yo me levanto y con esa morena voy a gozar
Patato y Totico no se vayan a quedar
Yo me levanto, yo me levanto, yo me levanto
y salgo a gozar...



Trotando en la playa
Y aunque nadie gozó el día de su muerte, sí hubo mucha música el día de su entierro, tal como Ismael lo quería. Sus seguidores bebieron durante dos días y lo recordaron como "El Sonero Mayor de Puerto Rico". Lo velaron en el Instituto Puertorriqueño de Cultura. Casi que reiterando su procedencia popular, nunca llegó a ser rico. Todo lo que se ganó se lo gastó y murió en la más absoluta pobreza, sin posibilidades de explotar su canto. En los últimos meses, preocupado por su situación económica, se hizo operar de las cuerdas vocales, retirándose a la vida sana y hogareña de la Calle Calma donde había nacido. Desde allí se le veía salir a trotar todas las mañanas y a hacer ejercicios en la playa. Sus amigos más cercanos preparaban, mientras tanto, un concierto de reaparición en el coliseo Roberto Clemente para darle a su familia una momentánea estabilidad económica. Pero como ocurre siempre, la vida juiciosa lo mató, y su corazón de un paro cardíaco dejó de latir estando en brazos de su señora madre Margarita Rivera, Doña Margot, el 13 de Mayo de 1987. Fue sepultado en el Cementerio de Villa Palmera en San Juan, precisamente donde reposan sus amigos: Pellín Rodríguez y Rafael Cortijo. Su tumba, igual que su vida, permanece extraviada en medio de las cruces, sin una lápida visible.
El incomprendido
Maelo, "el sonero mayor", fue como él mismo lo pregonó en un tema de la autoría de Bobby Capó, un "incomprendido". Así lo expresó: "Yo, yo, yo creo que voy/ solito a estar/ cuando me muera/ he sido el incomprendido/ ni tú ni nadie me ha querido/ tal como soy/ bituquipaquilin/ pero yo, yo, yo/ alalé... por qué no me comprenden a mí/ si yo soy un negrito/ chévere/ incomprendido/"
Todo lo que fue su vida no tiene otro medio para comprenderse que su historia musical. Oyendo sus canciones lo hallamos incorruptible y grande. La tumba pisoteada de "Villa Palmeras" deja ver hasta dónde puede llegar la incomprensión de su gente. Es ese el cuadro deshecho del artista para la vista del visitante, pero para el oído, siempre saldrá desde la más humilde caja de resonancia una luz interminable que iluminará con nitidez la música. Allí estará la comprensión que tanto necesitó, detenida e inmortalizada para siempre. Maelo fue el irrelevante, el que no oyó consejos, el que no creyó más que en su propio canto."

El Sentimiento Del Sonero Mayor
César Miguel Rondón, musicólogo venezolano, entrevista a Ismael en el programa radial "Quiebre de Quintos" - Radio Nacional (Venezuela-1977)
¿Ismael, cómo entras tú en el mundo de la salsa, en el mundo de la música?
Humildemente hablando, yo no entré en el mundo de la salsa, yo nací en el mundo de la salsa. Porque resulta que yo vengo de un pueblo que se llama Santurce, del área metropolitana de Puerto Rico, la costa norte; yo soy de la Calle Calma, y en la calle Calme el reloj, cuando yo me levantaba, era una cosa que hacía: pum qui pum, pum qui pum...y ese reloj como que se me metió en la sangre. Parece que yo traía algo y por eso puedo decirte que antes de tener uso de la razón ya yo estaba en la playa con los tambores, con un señor que se llama Rafael Cortijo, que ustedes lo conocen bien, y bueno...él es el responsable de que yo esté es este pugilato... Cómo comienza esa relación tuya con Cortijo?
Bueno, estábamos juntos en la Escuela Intermedia, de Santurce. Y Cortijo, como es natural, siempre ha tocado su tambor...tu sabes, hay lo que se llama "pleneros", que son los que hacen pura música de cueros, y Cortijo era de esos... y entonces, después de la escuela nos íbamos para la playa, que era una caminata como de cinco minutos, y ahí empezábamos a tocar...
¿Tú dices que estaban en la escuela, cuántos años tenían?
Rafael tenía quince y yo catorce...y cuando eso fué que empezamos a rumbear juntos...él fue el que empezó a crearme conciencia, tú me entiendes, me decía que yo lo que era era cantante, un vocalista especial, y yo pensaba que el hombre como que me estaba dando mucha coba, pero el seguía...y entonces me iba a buscar a la obra, porque ya yo me había hecho albañil y soy un buen albañil...y así era, yo trabajaba para mi los sábados...tu sabes, uno siempre tiene que sudar, doblar el lomo... y entonces Rafael me iba a esperar con los barriles, los tambores, y mi abuelo cuando lo veía siempre decía : "ahí está el negrito ese con los barriles otra vez, lo voy a botar a él y te voy a botar a ti también, que no te venga a buscar más...". Pero ahí fue donde empezó todo, Rafael fue el que me sacó de la albañilería...y así fue como sucedió el accidente... Cortijo y su Combo...Ismael Rivera ...El Bombón de Elena...y hasta la fecha.
¿Y cómo fue eso del accidente?
Bueno, es que nosotros tocábamos en grande los fines de semana y ahí montábamos lo nuestro... y la gente nos iba a ver y les gustaba...yo no sé, decían que tocábamos distinto... yo no sé...parece que era el hambre.
Ismael, explícate eso del hambre...
Bueno, yo te dije hambre porque el grupo sonaba como con una rabia, una fuerza, loco por salir del arrabal, inconscientemente...me entiendes ?...ese era el tiempo de la revolución de los negros en Puerto Rico... Roberto Clemente... Peruchín Cepeda...Romaní...entraron los negros a la universidad... Paff...y salió Cortijo y su Combo acompañando esa hambre, ese movimiento...Digo, no fue una cosa planeada, tu sabes, son cosas que a veces suceden y en Puerto Rico estaba sucediendo esto... Todo fue una cosa del pueblo, del negro, era como que se nos estaba abriendo un aula, y había rabia y Clemente empezó a repartir palos y nosotros entramos ahí, tu sabes, con nuestra música...Y parece que el mismo deseo de nosotros de salir, de acabar con el arrabal, fue lo que después nos puso un poco más premeditados...y es que había hambre, César, había hambre...

En la década de los 60, antes de que cerrara el primer lustro, gozando toda la fama y prestigio del Combo de Cortijo, Ismael se ve forzado a abandonar el ambiente. En la Aduana de Puerto Rico le decomisan un fuerte cargamento de drogas y lo condenan a prisión por cinco años. Y esta pasantía necesariamente habría de modificar de manera radical el espíritu y la intención de todo el posterior trabajo de Ismael.
Canciones como Las Tumbas, Incomprendido, Mi libertad eres tú, ya convertirían a Ismael Rivera en el ídolo que era capaz de representar por sí mismo todas las penurias y sus alternativas en la vida diaria. Al salir de la cárcel la gente comenzó a ver en él algo más que un cantante, disculpándole sus excesos, sin tener otra exigencia que no fuera esa identificación casi absoluta entre el público y su sonero. Y Rivera entendió plenamente lo que suponía éste fenómeno, manteniéndose al margen de la euforia disquera, produciendo discos breves y simples saturados de vivencias y de elementos que progresivamente servían para incrementar esa misma identificación. En sus discos jamás se sintió la presencia de temas gratuitos, de números rellenos.
Sus discos los producía él, y él era el único que decidía. Fue así como hurgó entre compositores de ayer y hoy, exprimiendo un repertorio que no admitiera la pérdida. Hizo de Pedro Flores, Bobby Capó, Johnny Ortiz y Tite Curet, los compositores fundamentales de su repertorio. En todos estos discos siempre fue muy destacada la presencia de Javier Vásquez, a la sazón director musical de Los Cachimbos, veterano pianista cubano que se responsabilizó de la totalidad de los arreglos cantados por Ismael. El estilo de Vásquez en el piano con un montuno sólido y lento, como en la mejor tradición cubana, sirvió de apoyo para el vigor definitivo que siempre ha ostentado esta orquesta que, como es común en la salsa, nunca sobrepasó la decena de músicos. El crédito para Vásquez por lo tanto es necesario: fue el medio ideal para traducir en la precisión del lenguaje musical mucho de la inspiración y entusiasmo que en Ismael fue mero talento desbordado.
"En el gran escenario de la vida
de tu reparto final soy el villano
tengo que actuar porque esa es mi fortuna
la farsa tiene que seguir actuando
nunca representé ningún papel
de cantante o galán aventurero
yo nunca fui Pierrot de colombina
siempre fui el villano más grosero
en el gran escenario de la farsa
¡Maribelemba!
la comedia de la vida es inhumana
hay payasos llevando armadura fría
y tenorio que no tienen ni una espada
En el drama final que represento
mi público inconsciente no me aplaude
si hago mutis se alegran que me vaya
y si canto me mandan a que calle..."
Plácido Acevedo
Para finales del 70 ya se comentaba con sobrada insistencia en el ambiente la decadencia de Ismael. Se hablaba de su pérdida de vigor y efectividad, de los supuestos desórdenes de su vida privada. Pero sobre todo, se hablaba de su pérdida de voz, de la carencia casi absoluta de su vieja potencia. La pérdida de su voz ha sido un hecho cierto, una evidencia incuestionable para todos aquellos que desde mucho antes le habían seguido la pista. Progresivamente la situación fue empeorando; ver a Ismael en vivo, sometido a la presión de un baile, se hizo una experiencia muy cercana a la angustia, ante este personaje, ya legendario e imbuido en la mitología, que a punta de veteranía trataba de salvar las apariencias.
Discografía
1. SUS DOS PRIMERAS GRABACIONES (50’S)
TEMA COMPOSITOR TIEMPO INSTITUCION
El Bombón de Elena Rafa Cepeda Plena Cortijo y su Combo
El charlatán D.D. Plena Orquesta Panamericana
2. EPOCA DE ORO DE ISMAEL RIVERA CON CORTIJO Y SU COMBO (50’s-60’s)
TEMA COMPOSITOR TIEMPO ORQUESTA / MUSICA / ARR.
Ingratitudes D.R. Bomba Saxofón : Eddie Pérez
Déjalo que suba E. García Plena Conga : M. Quiñones
Cara de Payaso H. Barbosa Guaracha Arreglos : Rafael Ithier
Alegría y Bomba M.A. Flores Bomba Bajo : Mike Cruz
El Negro Bembón Bobby Capó Guaracha Bongó : Roberto Roena
Y Pedro Flores D.R. Plena Percusión : Rafael Cortijo
Solavaya D.R. Guaracha Trompeta : Mario Cora
Calipso, bomba y plena D.R. Calipso Arreglos : Rafael Ithier
Cela que te cela Octavio Tavito Merengue Programa Radial
Volare Domingo M. Guaracha Show del Mediodía
A bailar mi bomba Arsenio Rodríguez Bomba En vivo Puerto Rico
Ramona D.R. Guaracha Trompeta : Kito Vélez
El satélite D.R. Plena Saxo : Héctor S.
Oriza S. Méndez Oriza Coro : Pérez / H. Ayala
3. LA TRANSICION DE ISMAEL RIVERA (60’s-70’s)
TEMA COMPOSITOR REFERENCIAS
Aquí estoy, ya llegué Ismael Rivera Primer L.P. de Cortijo y su Nuevo Combo
Soy buena gente Hugo González Cortijo y su Nuevo Combo
Curazao B.V. Boogaloo Bobby Capó Cortijo y su Nuevo Combo
Lo último en la avenida F. Cabrera Kako y su Trabuco
La cumbita D.R. Kako y su Trabuco
Siete pies bajo tierra J.D. López Kako y su Trabuco
El cumbanchero Rafael Hernández Kako y su Trabuco
4. ISMAEL RIVERA Y SUS CACHIMBOS- DISCOGRAFIA (70’s-80’s)
TITULO LP TEMA / REFERENCIA CREDITOS
De colores De colores D.R. - Arreglos Héctor S.
Controversia Lo que me dijo la gitana V. Mercado / Palmieri
Lo que trajo el barco Dime por qué Ayala / Javier Vásquez
Por la maceta Berimbau Badem / Javier Vásquez
Traigo de todo Traigo de todo Pedro Flores / Javier Vásquez
Feliz Navidad Llegó navidad Javier Vásquez
Soy feliz Son Sonero Johnny Ortiz
De todas maneras rosas De todas maneras rosas Tite Curet / Javier Vásquez
Esto es lo mío A mi edad no D.R. / Javier Vásquez
Maelo Dueña de mi inspiración Plácido Acevedo
5. MAELO Y LAS ALL STARS (Su participación)
TEMA ALL STARS COMPOSITOR / REFERENCIA / AÑO
Ellos se juntan Combo de Cortijo Kito Vélez / Ayala - 1974
Sale el sol Tico & Alegre Bobby Capó / Nueva York -1974
Cúcala Fania W.F. / Madison Square Garden -1979
Bilongo Fania G.R. Fiffe / Nueva York -1981
6. EL BORINQUEN DE MAELO ("BORINQUENEANDO")
TEMA COMPOSITOR ORQUESTA / REFERENCIA / AÑO
Borinquen Ismael Rivera Cortijo - 1965
Lejos de ti Ismael Rivera Cortijo
Mi jaragual Felipe Goyco Cachimbos - 1973
Si yo pudiera llamarla Bobby Capó Cachimbos - 1975
Quiero ir a mi pueblo Bobby Capó Cachimbos - 1976
Profesión Esperanza Tite Curet Cachimbos - 1977
La perla Tite Curet Cachimbos - 1978
Borinqueneando Johnny Ortiz Cachimbos - 1975
7. SU REPERTORIO "INCOMPRENDIDO" (??)
TEMA COMPOSITOR / INTERPRETE
Mi libertad eres tú Maelo con Cortijo
El que no sufre H. González
La soledad H. González
Entierro a la moda Maelo y Kako - 1966
Increíble Raúl Marrero
San Miguel Arcángel Dávila Williams - 1972
Que te pasa a ti Bobby Capó - 1974
Mi música Tite Curet Alonso - 1977
Incomprendido Bobby Capó - 1972
Las Tumbas Bobby Capó - 1975
Comedia Plácido Acevedo - 1978

Discografia y Biografia de Jhonny Pacheco

Se trata del músico dominicano más trascendente del siglo XX, porque encabezó el primer movimiento musical latinoamericano de trascendencia mundial.

Al cumplir sus 70 años de edad, solo podemos decir de Johnny que es la historia viva de la música latina. Su voz la diluyó entre el sonido peculiar de la flauta francesa y los coros mañosos que imitarán a los de la Sonora Matancera. Parece haber recogido ― de manera complice junto a su socio de juventud Charlie Palmieri ―, toda la música cadenciosa de la isla mayor y la prolongara en la ciudad de Nueva York. Su primer álbum, Pacheco y su Charanga Vol. 1, fue el más vendido en el año de 1960, por lo que se volvió un clásico.
Durante los años 60s y 70s Pacheco y el gran Charlie parecían hacerlo todo, organizaron un grupo de charanga vanguardista muy exitoso llamado la Duboney (Palmieri contacta a Johnny Pacheco en el club Montecarlo) con el que llenaron todos los bailes, abarrotaron el Palladium, el Corso, el Caborrojeño, el club Caravana, el Palmolive, Hunts Point Palace, el Palm Garden, el club Triton, entre otros. Cuando la Pachanga invadió a la gran ciudad, y se convirtió en una locura, ahí estaba Pacheco en el lugar exacto donde se cocinó la pachanga, el club Social Tritón en el Bronx, modificando su charanga e introduciéndose en el nuevo ritmo con las magnificas voces de un trío de oro: el maestro Chivirico Dávila, el señor Elliot Romero y el maestro Rudy Calzado, en efecto, compartieron todo este momento con los pachangueros de Orlando Marín, Héctor Rivera y su Orquesta, El Sexteto La Plata, la Orquesta de Chuito Vélez y sus Estrellas Boricuas, Charlie Palmieri, Joe Quijano, Al Castellano, Mongo Santamaría, Lou Pérez y su Orquesta, Mon Rivera, Pete Terrace y su Orquesta, Arsenio Rodríguez, Dioris Valladares y su Conjunto, Joe Loco, Kako y su Combo, Charlie Fox, Manolín Morel y su Charanga, Tito Rodríguez, Don Belisario López entre otros y de verdad que fue el delirio. Luego acompañó esa maravillosa reunión que se dio en el club Village Gate en Greenwich Village, la cual se cobijó bajo la sombrilla de los Allegre All Stars y resultaron tres hermosos LPs bajo las voces de Cheo Feliciano, Monguito "El Único" y Chivirico Dávila. Defendió la música típica cubana cuando el boogaloo arrasó con los cimientos tradicionales. Y ya a comienzos de los años 70s reunió la "Maquina Musical" de La Fania All Stars convirtiendose en una estrella internacional, con presentaciones en Estados Unidos, Europa, Africa, Asia y toda Latinoamérica. Pacheco y su Charanga fue la primera banda latina que encabezó la cartelera del Teatro Apollo, del barrio neoyorquino de Harlem, el templo del jazz (1962), y el álbum en el estadio de los Yankies con la Fania fue reconocido como una de las joyas musicales del siglo pasado.
Armando López lo expresó: "Pacheco nació en zurrón. Cuando ya los violines le quedaban cobarditos, y su Charanga comenzaba a apagarse, lo llamaron para trabajar con metales en la Feria Mundial de 1964, y ahí mismo cambió de palo pa' rumba: ¡Nació Pacheco y su tumbao! Para que no fuera una copia de la Matancera, le agregó un bongó y un tres, al estilo de Arsenio Rodríguez. Sólo faltaba la Fania, el mágico encuentro de Pacheco con el abogado Jerry Masuci, que lanzaría al mundo el nombre de "salsa", y llenaría el vacío que dejaba la música cubana, aislada en su revolución".
La primera grabación con la Fania (1964) fue el disco 3-25. La noche del jueves 21 de agosto de 1971 en el Cheetah de Nueva York, será recordada como aquellas coordenadas geográficas que orientaron a la música latina para que escapara a la conquista de todos los mundos. Es cuando la expresión de la Salsa adquiere todo el vigor e impulso necesario para expandirse determinante a todo el Caribe y a las comunidades latinas de los Estados Unidos, Pacheco expresa: "Fue una noche inolvidable donde le dimos un realce al pueblo latino con Nuestra Cosa Latina".
Quitaron todo a su paso y sin pedir permiso a nadie, absorvieron la comunidad latina con su propuesta, en efecto, se posesionaron desde el Barrio (el Harlem Hispano) el ambiente musical de los candados de Queens, el Bronx, Brooklyn y Manhattan, "Eso fue dos días antes del recital de Fania All Stars en el Cheetah, cuando salíamos —Bobby Valentín y Johnny Pacheco— del restaurante del hotel que está frente al Cheetah, nos quedamos los dos que no podíamos salir y entonces vino el estribillo y de allí salí corriendo para hacer el arreglo", tema que a decir del propio Johnny Pacheco, "todavía tenemos que tocarlo en todos nuestros conciertos".
A lo lejos parecía una caricatura o un gracioso boceto de Miró. Su figura delgada enjuta en una camisa sicodélica, pantalones oscuros bota ancha, removiendo una y otra vez su larga melena, sus brazos agitados en posesa conjunción tal una transmutación del director austriaco Herbert Von Karajan, dirigiendo una maquina musical, fue una imagen perpetua que Pacheco nos las mostró en todas las presentaciones de la Fania All stars.
El maestro Johnny Pacheco, indudablemente el protagonista principal del fenómeno musical denominado salsa, desde las perspectivas del sello discográfico FANIA y de la orquesta, gestada en el seno del mismo sello y dirigida por él, denominada FANIA ALL-STARS.
César Miguel Rondón, radio-locutor y escritor venezolano, autor de EL LIBRO DE LA SALSA, (Óscar Todtmann Editores C.A. Caracas, 1980), primera publicación en español en abordar en forma profunda el fenómeno de la salsa y obra obligada de consulta de todos los estudiosos e investigadores del fenómeno salsero; cataloga a Pacheco, junto al pianista y director de orquesta Larry Harlow, como uno de los pilares de la onda tradicionalista del movimiento. (ISC)


Johnny Pacheco en su juventud.
Juan Zacarías Pacheco Kinipping, mejor conocido como Johnny Pacheco, nació en Santiago de los Caballeros, República Dominicana el 25 de marzo de 1935.
Su madre Octavia, era una maestra de ascendencia alemana, y su padre Rafael Azarías Pacheco, un sastre que estaba considerado el mejor clarinetista dominicano, y quien dirigía la ORQUESTA SANTA CECILIA, la número uno por esa época.
El joven Johnny siempre visitaba la estación de radio local Nueva HB, y cuando la banda tocaba nunca perdía la oportunidad para escucharlos. Pronto estaba sentado en una pequeña silla, al lado de la sección de vientos, pasándole orgulloso las partituras a los integrantes de la banda.
Un día de reyes su padre le regaló una harmónica y a los siete años ya Johnny tocaba Compadre Pedro Juan, un merengue compuesto por el pianista de la banda, Luis Alberti, y grabado también por ellos.
Más tarde la familia se residencia en Santo Domingo, donde su madre Doña Octavia solía escuchar novelas radiadas desde Cuba, dejando la radio encendida el resto del día. Por esos tiempos, Radio Progreso y Radio Mambí pasaban canciones de Arcaño y sus Maravillas, Orquesta Ideal, El Sexteto Habanero y Arsenio Rodríguez, los cuales son escuchados cuidadosamente por Johnny, quien de esta manera absorbe mucha de las influencias musicales que marcarían su estilo.
En 1946, cuando Johnny contaba con once años de edad, su familia se traslada a la ciudad de Nueva York donde ingresa a la escuela Pública en el Bronx, en un vecindario en el que se sentía como en la guerra de Corea. “Había cinco de nosotros, una hermana y cuatro hermanos, teníamos que pelear para sobrevivir. Existían pequeñas pandillas en la calle. Una vez que veían que no eras una gallina, te volvías parte de ellas”, comenta Johnny(1). Pero Johnny se mantuvo fuera de ellas, debido a su fascinación por la música. En la escuela aprendió a tocar el clarinete y el saxofón, y jugaba stick ball.
Ya en la secundaria, y siguiendo los pasos de uno de sus hermanos que era Ingeniero Eléctrico, Johnny aprendió tecnología eléctrica.
En 1953, Johnny tocaba percusión y cantaba en conjunto del pianista Gil Suárez, donde también Louie Ramírez ejecutaba el vibráfono.
Por 1954, mientras estudiaba en la Bronx Vocational High School. fundó una banda de mambos denominada THE CHUCHULECOS BOYS, en la cual tocaban Eddie Palmieri, piano, Barry Rogers, trombón acompañados también de Al Santiago, Mike Collazo y Ray Santos entre otros. Barry, que estudiaba para ser mecánico automotriz pronto siguió el ejemplo de Johnny, y se convirtió en músico de tiempo completo, continuando el trabajo en carros como hobbie. Por esa época el mambo estaba de moda, y la más grande canción del grupo fue su versión de Dragnet mambo, grabada por Machito para el sello SEECO ese mismo año. Su instrumentación consistía en saxo alto, trombón, piano, bajo y una sección de ritmos. Tocaban en bodas y actos sociales, y sus miembros eran como una familia, pero Eddie siempre llegaba tarde, así que un día Johnny tuvo que reemplazarlo. Fue una decisión dolorosa.
Posteriormente Johnny continuó con sus estudios en el Brooklyn Tech, donde sobresalió en todos los cursos. Mientras, continuaba haciendo pequeñas presentaciones con su banda, hasta obtener el grado. Pero recibió una gran desilusión cuando empezó a tener trabajos en el campo tecnológico, todo lo que podía ganar eran US$ 35 a la semana, previo del pago de impuestos.
Un día Luis Quintero lo llamó y le preguntó “¿sigues tocando el acordeón?, vamos a tocar en Villa Pérez y te daremos US$ 95 al final de la semana, más cuarto y tiquete. Esta cantidad de dinero le interesó mucho, así que, sin dudarlo, dejó sus herramientas de ingeniero y se convirtió en músico, sin volver atrás (1).
Después empezó a trabajar como percusionista. Su amigo Willie Rodríguez tocaba la batería con la Orquesta de Paul Whiteman, la gran orquesta Número 1 en Nueva York. “Pienso que él me llamó porque era el único que tocaba bongó y conga y que podía leer música”. Cuando necesitaban a un percusionista latino, me llamaban, así que participé en el Show de Steve Allen y en el Show de Johnny Carson (1).
Cuando Johnny empezó a tocar percusión los cencerros no estaban disponibles comercialmente, por eso los timbaleros de Nueva York empezaron a localizar en las carreras de caballos, si había cencerros colgando del cuello de los caballos para quitárselos. “Yo recuerdo una vez un caballo que tenía uno colgando en el cuello e intenté cortarlo. El jinete vino y me dió una paliza, me atraparon con la evidencia, pero era una hermosa campana”. Por ese tiempo intentó construir un par de congas, para lo cual fabricó la parte de madera y contrató a alguien que trabajaba en un proyecto para la Fuerza Aérea, para que le elaborara la parte de metal. Un día, mientras lo visitaba encontró una pieza metálica en el piso y Johnny, instintivamente la recogió y la golpeó, produciendo un sonido que hizo eco en su oído. “Jesucristo, tengo que hacer un cencerro”, entonces produjo y vendió un buen número de estos cencerros (1).
En 1955, Johnny se integra al grupo THE MAMBALEROS, quinteto de Lou Pérez, conformado por Nick Conti, piano; Johnny Grasso, saxo tenor y flauta; Cece García, vocalista; Lou Pérez, percusión y Johnny Pacheco en las congas. Debutan en el club Blue Haven de Queens.
Pasado algún tiempo se incorpora a algunas grandes orquestas como la de Tito Puente en calidad de percusionista, Xavier Cugat y en la de Dioris Valladares como conguero.
En Octubre de 1958, Johnny actuaba con la orquesta de Valladares en el Monte Carlo, ubicado en la calle 137 y Broadway, donde alternaban con el quinteto de Charlie Palmieri. Allí Charlie lo escucha practicar la flauta en los intermedios y se le presenta. En poco tiempo, Johnny se une como baterista al grupo de Palmieri, participando en la grabación para el sello GONE, del álbum EASY DOES IT, donde ejecuta la conga y bongoes.

La Orquesta del maestro Fajardo en el Palladium Ball Room
Para ésa época Fajardo y sus Estrellas se presentaron en una función política para el Senador John F. Kennedy, en el Waldorf Astoria de New York, y su show impactó a los amantes de la música latina y pavimentando el camino para la locura de la charanga. Antes de finalizar el año, Mario Cora, el trompetista del grupo de Palmieri decide regresar a Puerto Rico para integrarse al combo de Cortijo, y Johnny comenzó a tocar los solos de flauta. Así nace LA DUBONEY.
De igual manera en ese tiempo, los lazos económicos y culturales con Cuba se habían intensificado, así que el momento estaba maduro para que Charlie y Johnny comenzaran con su grupo de charanga. “Nosotros cambiamos completamente el sonido de la música latina neoyorkina porque la charanga era ejecutada con flautas y violines, dos voces al unísono y la sección rítmica; timbales, güiro y conga. Ese es el sonido típico cubano” (1).

El grupo del maestro Johnny Pacheco para 1960.
En 1960, luego de haber grabado para el sello UNITED ARTIST el primer álbum titulado CHARANGA!, (WS Latino 4090), (reeditado en 19XX bajo el título ECHOES OF AN ERA, por el sello WS Latino), Johnny y Charlie se dieron cuenta que sus gustos musicales eran diferentes. “Charlie era uno de los mejores pianistas de la música latina, era un gran arreglista, pero usualmente escribía muy sofisticado y a Pacheco le gustaba la cosa simple. Johnny entonces hacía los arreglos y escritos, Charlie no era un compositor. Cuando finalizaron la grabación, Charlie tenía su idea de charanga y Johnny la de él. Fue en ese momento cuando se separan”. Debido a que los miembros de la banda estaban muy unidos, decidieron en un “cara o sello” quien se quedaría con quien. Cuando terminaron, Charlie compró una botella de licor y celebraron(1).

Pacheco organizó su propia banda y empezó a comercializarla en la ciudad. Sin embargo nadie quería grabar al nuevo grupo, por lo que fue a un estudio y grabó un disco promocional que contenía los temas El güiro de Macorina y Óyeme mulata. Seguidamente pagó una visita a Rafael Font, un DJ que amaba la charanga, suplicándole “coño puedes tocar esto para mí?”. A Font le encantó lo que escuchó y predijo el éxito. “No sabía que el público había inundado la emisora con llamadas tratando de averiguar dónde conseguir el disco. Se convirtió en un éxito instantáneo. Al Santiago tenía una tienda de discos y la gente fue el sábado a comprar esa cosa de la radio El güiro de Macorina. Al dijo qué diablo es eso del güiro de Macorí?, nadie sabía quien lo había grabado, era sólo un promocional”. Ese domingo Johnny tocaba en un club llamado Los Tritones, localizado en el Bronx, y cuando Al Santiago entró la banda no había alcanzado su octavo tema y le dijo “quieres grabar hijo, te daré un contrato”. Santiago era el propietario del sello ALEGRE.
En este mismo año de 1960, Johnny Pacheco firmó para el sello ALEGRE, grabando de inmediato su primer álbum, bajo la producción de Al Santiago, titulado, PACHECO Y SU CHARANGA (Alegre LPA-8010). El álbum contenía los temas La Melodía, Óyeme mulata y El tema de Pacheco, composiciones de Johnny; El Güiro de Macorina, el primer éxito como compositor y arreglista de Louie Ramírez; El agua del clavelito, de Miguel Ángel Pozo; El Chivo, de Vinicio González; Se fue para la luna, de Lou Pérez; La Malanga, de Rosendo Ruíz Jr; y Soy de Batabano, Sabrosa como el guarapo y Que le pasa a mí mamá?. En sólo seis meses se vendieron más de 100.000 copias del álbum, convirtiéndose en el de mayor venta en la historia de la música latina hasta ese momento. “Si hubiera sabido que sería tanto el éxito, hubiera hecho el disco yo mismo, pero no tenía idea” se lamenta Pacheco. La banda para el disco, estaba conformada por Johnny Pacheco, líder y flauta; Julián Cabrera, congas y John Palomo, percusión; todos provenientes de la banda de Palmieri; Daniel González, Carlos Piantini y José “Chombo” Silva (2), violines; Héctor Pellot, piano; Víctor David Pérez, bajo; Manny Oquendo, percusión; Elliot Romero y Pedro Manuel “Rudy” Calzado, vocalistas.
En 1961, graba su segundo álbum para el sello ALEGRE, titulado, PACHECO Y SU CHARANGA, VOL II, (Alegre SLPA-8050). Para éste álbum, Pacheco incorpora dos nuevos violines, ejecutados por José Andreu, quien venía de la banda de Palmieri y Alberto Fajardo. El disco presentaba los temas Soy guapo de verdad, composición de Pacheco; Pare Cochero, tema del cubano Marcelino Guerra; Espíritu burlón, de Miguel Jorrín; Treinta kilos, de Héctor Rivera; Caramelos, de Roberto Puente; el bolero Triste muñeca, de Félix Reyna; En ti, en ti, bolero de Luis Demetrio; Que bueno está el ambiente; Compay André; y el tema de Rudy Calzado, Con su bataola.
En éste mismo año, Al Santiago crea THE ALEGRE ALL-STARS, eco de los famosos Cuban Jam Session del sello cubano PANART. Era una banda que tenía una instrumentación única conformada por flauta, saxo tenor, trombón y una sección completa de ritmo. Johnny Pacheco forma parte de esta agrupación en calidad de co-líder, (el líder era su amigo el pianista Charlie Palmieri), quien además se encarga de reclutar a su amigo trombonista Barry Rogers, para que toque con la banda. Con ellos participa en la grabación del primer álbum de descargas de las estrellas, titulado THE ALEGRE ALL-STARS (Alegre LPA-8100).
En 1962, graba el tercer álbum para el sello, titulado, PACHECO Y SU CHARANGA, VOL III – QUE SUENE LA FLAUTA, (Alegre LPA-8110), que contenía los temas Alto Songo, del pianista cubano Lilí Martínez Griñan; Acuyuyé, pachanga-twist compuesta por Pacheco; Vuela la paloma, de Félix Reyna; Cachita, de Rafael Hernández; Rosalía, del pianista Gil Suárez; El piñazo, de Johnny Pacheco; Pita camión; A caballo; Mentiras criollas, pachanga de Félix Chappotín; y el danzón Que suene la flauta de Víctor Marín Hernández. El 5 de mayo se une a la banda Pete “El Conde” Rodríguez, en reemplazo de Rudy Calzado.
En 1963, Pacheco graba dos álbumes: el cuarto titulado PACHECO Y SU CHARANGA, VOL IV – SUAV’ITO, (Alegre LPA-8200), vocalizado por Pete “El Conde” Rodríguez, Vitín López y Elliot Romero, en el cual se incluyen los temas Recuerdos de Arcaño, Mi paloma, Batachanga y El chéchere, compuestos por Pacheco; Masacote, de Héctor Zeno/J.Pacheco/Álvarez; Cumbaye, de Silvio Contreras; Carnaval, de L. Velasco; Cachetera, de Mike Ramos; Suavito, de Gil Suárez; Pa’ los pollos, de Enrique Jorrín; No me toques ese punto y Barrio, composiciones de Lou Pérez.
Y el quinto, y último álbum para ALEGRE, titulado SPOTLIGHT ON PACHECO – VOL V, (Alegre LPA-8270), vocalizado por el trío Rodríguez – López – Romero, que contenía los temas El Carabiné, Chuki-luki wobble y Los chiquitines, composiciones de Pacheco; Las matanceras son, de Hilda Rodríguez; A mí que, de Jesús Guerra; y La muerte llegó, de M. Jorrín; Muchachita sencilla, de Enrique Bonne; Decidido, de Gil Suárez; Yo te voy a hacer caso; y el tema brasilero Desafinado, de N. Mendonca y Antonio Carlos Jobin.
Éste álbum terminaría siendo el último grabado con su charanga tradicional, ya que a partir del año siguiente, modificaría éste formato por el de un conjunto.
También contribuye con los temas Verano de amor, de Steiner/Vázquez/Monte; Montón Simón, de su autoría y Dame tu cariño, de Rudy Calzado, para el álbum LAS CHARANGAS – PACHECO, PALMIERI, FAJARDO, (Alegre LPA-8070), grabado para el sello ALEGRE.
Hacia finales del año, Johnny Pacheco conoce a Jerry Masucci en una fiesta en el Hotel Taft. Inmediatamente congeniaron, y Jerry, un judío-americano que ejercía como abogado, pronto estaría manejando el divorcio de Johnny. Un día cuando estaban sentados en un pequeño club Johnny le dijo a Jerry “Sabes, voy a comenzar mi propia compañía de discos”. Jerry le preguntó si necesitaba asesoría legal, “Sí, dijo Johnny, voy a necesitar un abogado para conseguir los papeles, y algo de dinero porque no tengo”. El instinto de Jerry para los negocios y la genialidad musical de Johnny, generó un matrimonio hecho en Manhattan. Consiguieron un préstamo de US$ 2.500 y fueron a un estudio a grabar.
Por esa época Al Santiago tenía una mina de oro en sus manos, pero sus problemas personales empezaron a afectar su negocio, llegando a tener problemas financieros. Aunque Pacheco atesoró aproximadamente el 50% del ingreso de ALEGRE, Santiago no pudo pagar más sus compromisos, y cuando el contrato expiró, Pacheco se retiró del sello.
Además de la idea del sello, Pacheco también había decidido cambiar su banda de charanga por un conjunto de son, para lo cual sigue los parámetros musicales de LA SONORA MATANCERA, incorporando un par de trompetas muy afinadas. Este cambio fue forzado porque todos los violinistas “decentes” en New York, querían tocar música clásica. La banda llevaría el nombre de NUEVO TUMBAO.
En 1964, Pacheco y su NUEVO TUMBAO deciden lanzar el primer trabajo, CAÑONAZO, bajo su propio sello musical, para el cual toman el nombre de un viejo son compuesto por Reinaldo Bolaños, FANIA.
Mientras tanto FANIA empezaba a recoger sus frutos. La joven compañía de grabación había contratado algunos músicos y quería exponer a todos en sus listas.
En 1966, ya con cuatro álbumes producidos con el NUEVO TUMBO, Pacheco retoma el sonido de la charanga con el álbum PACHECO Y SU CHARANGA – BY POPULAR DEMAND, (Fania SLP-333), vocalizado por Elliot Romero, El Conde Rodríguez –quien regresa al conjunto, luego de haber grabado dos álbumes con el CONJUNTO SENSACIÓN de Rey Roig- y Tony Díaz. El álbum incluye los temas Dos Gardenias, de Isolina Carrillo; Los problemas de Atilana, de Pedro Aranzola; Compay Cucu y Suaviloo, de Pacheco; Bilongo, de Guillermo Rodríguez Fiffe; Mi carreta, de Ñico Saquito; La botija y el güiro, de R. Valdés; Yo soy la cndela, de Félix Molina; El jardinero y Sunshine Superman.
Pacheco y su Nuevo Tumbao
Hacia finales del año de 1963, Johnny Pacheco conoce a Jerry Masucci en una fiesta en el Hotel Taft. Inmediatamente congeniaron, y juntos fundan el sello FANIA, nombre tomado de un viejo son compuesto por el cubano Reinaldo Bolaños, titulado originalmente Fanía funché.
Además de la idea del sello, Pacheco también había decidido cambiar su banda de charanga por un conjunto de son, y es así como, eliminando los violines e incorporando un par de trompetas muy afinadas funda una nueva banda, la cual llevaría el nombre de EL NUEVO TUMBAO.
En 1964, Pacheco y su NUEVO TUMBAO deciden lanzar el primer trabajo, bajo su propio sello musical, el cual fue titulado MI NUEVO TUMBAO...CAÑONAZO, (Fania SLP-325), vocalizado por Pete “El Conde” Rodríguez. El álbum que además del tema Fania, incluía Cañonazo; Como mango; Cabio silé; Campeón; El kikiriki; Labrando la tierra; Yo soy guajiro; El pregonero; Dakar, punto final y Pinareño, apareció con el número de catalogo 325, en alusión a la fecha de nacimiento de Pacheco.

En 1965, graba su segundo álbum titulado PACHECO AT THE NEW WORLD’S FAIR, (Fania SLP-326), que contenía temas como Qué pelota, Galan Galan, Carnavales, El Boniato, y Alto Songo vocalizados por Pete “El Conde” Rodríguez y Soy del monte y Se me fue, vocalizados por Ramón Quian, Monguito El Único, quien se había unido a la banda.
También graba el tercer álbum, titulado PACHECO TE INVITA A BAILAR, (Fania SLP-327), vocalizado por Monguito “El Único” y Chivirico Dávila, pues El Conde luego de una disputa con Monguito, decide separarse de la banda. El álbum incluye el éxito Sarandonga; y los temas Acere Cipriano; La mujer del peso; Mayarí; Guajira camara; El Diablo; Que humanidad; El pescador; Ven y ven; Cuante na’má; y Salsa.
En diciembre, Pacheco realiza un extraño y experimental álbum de descargas titulado PACHECO – HIS FLUTE AND LATIN JAM, (Fania SLP-328). Para su grabación utiliza una selección de músicos, cuando muchos de éstos grandes todavía eran muy jóvenes; justo después de las descargas de Cachao y cuando la descarga aún era un concepto relativamente nuevo. Integran el elenco: Lino Frías, piano; Bobby Rodríguez, bajo; Barry Rogers, trombón; Pedro “Puchi” Boulong y Bobby Valentín, trompetas; José “Chombo” Silva, saxo; Félix “Pupi” Lagarreta, violín; Orestes Vilató, timbales; Carlos “Patato” Valdés, congas; Ralph Marzán, bongoes; Oswaldo “Chihuahua” Martínez, güiro; Carlos “Caíto” Díaz, vocalista y Johnny Pacheco, flauta y vocalización. Los temas del álbum fueron: Sugar Frost (Azucare), el cual se mantuvo vigente en New York por muchos años; Tinguaro, donde el saxo de “Chombo” Silva puso el toque jazzístico -su saxo es considerado uno de los mejores cuando une el jazz con lo latino-; Así son boncó, donde se destacan los solos irrepetibles de Pupi Legarreta en el violín y Barry Rogers en el trombón; Latin Gravy, Noche Buena y Yembere.
En 1966, Pacheco vuelve a utilizar a Monguito y Chivirico como vocalistas líderes para el álbum VIVA ÁFRICA, (Fania SLP-330), el cual incluye los temas El Champolón (Bacalao); Oye Canuto; Los guandulitos; A Morón; Avelino; No tienes corazón; La rebelión; Con un temporal; Mi pollo bon bon; El mundo; Sazonando y Guararey na’má. El álbum lleva el nombre en honor a la gira de Pacheco por África, especialmente en Abidján donde actúan en el Hotel Ivoire.
En este mismo año, Pacheco -ejecutando la flauta- y Monguito en la vocalización, participan en la grabación del álbum LIVE AT THE VILLAGE GATE realizado por la TICO ALL-STARS; y retoma el sonido de la charanga con el álbum PACHECO Y SU CHARANGA – BY POPULAR DEMAND, (Fania SLP-333), con la vocalización de Elliot Romero, El Conde Rodríguez –quien regresa al conjunto, luego de haber grabado dos álbumes con el CONJUNTO SENSACIÓN de Rey Roig- y Tony Díaz.
En 1967, regresa al sonido del conjunto en su nuevo álbum SABOR TÍPICO, (Fania SLP-339), vocalizado por Pete “El Conde”, Alberto Valdéz y el propio Pacheco; en el cual incluyen los temas Convergencia; El Bajío; Para gozar Belén, de Arsenio Rodríguez; Que se fuñan, de Lilí Martínez Griñan y el mayor éxito del disco Soy hijo del Siboney; y respalda a Monguito El Único, en su primer álbum como solista, titulado PACHECO PRESENTS MONGUITO, (Fania SLP-341).

En 1968, graba los álbumes LATIN PIPER, (Fania SLP-358), un extraño intento de crossover que incluye el tema María Cervantes; nuevas versiones instrumentales de Suavito y Acuyuyé; y Soul piper; Lazy flute; Latino;Green peppers; Hola me tight, entre otros; y VOLANDO BAJITO, (Fania SLP-363), vocalizado por El Conde Rodríguez, Alberto Valdés y Pacheco. El álbum incluye los temas Que no muera el son; Agárrate de la brocha; Que risa me da; Azúcar Mami y Menú de chivo.
En 1970, Pacheco graba el álbum LA PERFECTA COMBINACIÓN, (Fania SLP-380), vocalizado por El Conde y donde el grupo utiliza por primera vez el tres. El álbum incluye La Esencia del Guaguancó, compuesto por Catalino “Tite” Curet Alonso, uno de los mayores éxitos de todos los tiempos y los temas Shalom Malecum, compuesto por Justi Barreto; El Negro Panchón; Sin caña y sin platanal y Sonero, composiciones de Cheo Marqueti; y el bolero de Pedro Flores Blanca.

En 1971, graba los álbumes LOS COMPADRES, (Fania SLP-400), vocalizado por Pete “El Conde” Rodríguez, el cual se constituyó en récord de ventas según versiones oficiales del sello y que ya apuntaba hacia la matancerización de la salsa. El álbum incluye los temas Soy el mejor; De que te vale; Agárrate de la brocha; y la composición del cubano Julio César Fonseca, Dulce con dulce; LOS DINÁMICOS, (Fania SLP-402), con la vocalización del cubano Justo Betancourt, ascendente estrella de la salsa, que incluye los temas Con los pies camino; Lo que quiero es gozar; Mango, piña y marañón; Corazón herido; y Matanzas, entre otros; y el sello FANIA edita una compilación de sus éxitos bajo el título de 10 GREAT YEARS, (Fania SLP-409), que incluye los temas La esencia del guaguancó, Pinareño, Dulce con Dulce, Soy hijo del Siboney, Convergencia, Sonero, El Champolón, Sarandonga y Alto Songo.
Luego del renacimiento de la FANIA ALL-STARS, en éste mismo año, Johnny Pacheco, “fue reduciendo progresivamente sus expectativas y ambiciones musicales terminando refugiado, a la larga, en lo que muchos bailadores calificaron como una SONORA MATANCERA modernizada o de hoy.” (3)

En 1973, graba el álbum TRES DE CAFÉ Y DOS DE AZÚCAR, (Fania SLP-436), último vocalizado por “El Conde” Rodríguez quien se separa de Pacheco para continuar su carrera como solista, y que contiene el éxito Viralo al revés; y temas como Primoroso cantar; Cositas buenas; Harina con boniato y La gloria eres tú, entre otros; y el sello ALEGRE -ya asumido por FANIA- publica el álbum HABÍA UNA VEZ / ONCE UPON A TIME, (Alegre SLPA-8830), una compilación de temas, grabados para el sello ALEGRE con su charanga, que incluye El Güiro de Macorina, Pita Camión, El Chivo, La melodía, Verano de amor, Caramelo, Barrio, Cachetera; Chuki-luki wobble y Vuela la paloma.
En 1974, produce con Celia Cruz el álbum CELIA & JOHNNY, (Vaya V 31) grabado para el sello VAYA -subsidiario de FANIA- en el cual se incluía un tema autóctono que le pertenece a la salsa neoyorquina -quizá lo mejor de todo el álbum- titulado Químbara, de la autoría del joven puertorriqueño Júnior Cepeda (4). “Esta grabación todavía luce insuperable, la inteligencia y el sabor de Celia para jugar con el montuno, así como el extraordinario pegue del arreglo, contribuyen a que ésta sea una de las producciones antológicas de la salsa.” (3) Los otros temas del álbum fueron Toro Mata; Vieja luna, del cubano Orlando de la Rosa; Tengo el idde y Ño Mercedes, composiciones de Tite Curet Alonso; Canto a La Habana, de A. Castillo; El tumbao y Celia, composición de Johnny Pacheco; El paso del mulo; El pregón del pescador; y Lo tuyo es mental.

En este mismo año, se publica una segunda compilación de temas grabados con el formato de charanga para ALEGRE, en el álbum titulado LO MEJOR DE / THE BEST OF PACHECO, (Alegre SLPA-7011), que incluye, entre otros, los temas Acuyuyé, El Chivo, Recuerdos de Arcaño, El Güiro de Macorina, El agua del clavelito y Alto Songo.
Pacheco y su Tumbao Añejo

En un concierto en 1974 en el Madison Square Garden de Nueva York: Johnny Pacheco, Pete "El Conde" Rodríguez y Ray Castro (fundador y líder del Conjunto Clásico). Foto de Martín Cohen
En 1974, Pete “El Conde” Rodríguez, el cantante estelar de los últimos años en el conjunto de Pacheco, es lanzado como solista por el sello FANIA, y Johnny en una hábil jugada recurre, para su reemplazo, al cantante cubano Héctor Casanova, quien había grabado con la banda de Monguito Santamaría y que poseía un timbre de voz muy similar al de Rodríguez, pero con estilo diferente a la hora de atacar el montuno salsero.
En 1975, Pacheco publica el álbum EL MAESTRO, (Fania SLP-485), con la vocalización de Casanova y que contiene dos temas de gran importancia para la salsa: Guaguancó pa’l que sabe, composición de Felipe Yánez -para quien está dedicado el álbum- con un excelente solo de piano de Papo Lucca y Faisán, y un magistral solo de tres ejecutado por Charlie Rodríguez. El álbum, que incluye otros éxitos como Yo no parlevu France, composición de Pacheco; Simaní; Las Muchachas, del maestro Billo Frómeta; y Mango Mangüe de Francisco Fellove, recibe la primera nominación de Pacheco para el premio Grammy. A partir de éste álbum, la orquesta se presenta como PACHECO Y SU TUMBAO AÑEJO.

También graba el segundo álbum para VAYA, titulado TREMENDO CACHÉ, (Vaya V 37), vocalizado por Celia Cruz. El álbum incluye los éxitos Cúcala, composición de Wilfredo Figueroa en ritmo de guaracha, (Ismael Rivera ya la había grabado antes como bomba); Tres días de carnaval; Oriza Eh y Dime si llegué a tiempo, del joven Júnior Cepeda; De la Verdegue, de Tite Curet Alonso; y La sopa en botella. Para el álbum la orquesta la conformaban Johnny Pacheco, güiro, quinto, coros y líder; Papo Lucca, piano; Héctor “Bomberito” Zarzuela y Luis “Perico” Ortiz, trompetas; Charlie Rodríguez, tres; Víctor Venegas, bajo; Johnny Rodríguez “Dandy”, congas; Louis Mangual, bongó; Manuel Gutiérrez, tambora; Ismael Quintana, maracas; y Justo Betancourt y Roberto Torres, coros.
En 1976, graba el álbum CELIA, JOHNNY, JUSTO & PAPO: RECORDANDO EL AYER, (Vaya VS 52), vocalizado por Celia y Justo Betancourt, el cual recibe nominación para el premio Grammy. El disco contiene viejos temas cubanos y antillanos tales como Besito de coco, composición de Ismael Rivera; Ritmo, tambó y flores, de José Vargas; Sé que tú, de Carlos “Caíto” Díaz; y Yerbero Moderno, de Carlos Mili, uno de los temas que más identifican a Celia. La ejecución del piano sigue a cargo del puertorriqueño Papo Lucca.

En 1977, Pacheco produce tres álbumes: EL ARTISTA, (Fania SLP-503), vocalizado por Héctor Casanova, y que incluye los temas Esa Prieta, tema popularizado por Beny Moré; Corso y Montuno, composición de Pacheco en homenaje a el club El Corso donde actuaba como orquesta de planta; La yerba brava; Mi propia sangre; La chiva; El inventor; Tu no sabes na; Ileana; Amarra el perro; y Dirindinde; LOS DOS MOSQUETEROS – THE TWO MUSKETEERS, (Vaya V 63), junto al excelso flautista y violinista cubano Pupi Legarreta; vocalizado por Tito Allen y Roberto Rodríguez, que incluye los temas No vales nada; Cara de llanta; Estoy a mil; El penado; Fin de semana; Vacila y no contamines; Picunina; Necia; Salsa; y Lo Saen. Para el álbum la orquesta estaba conformada por Johnny, güiro y vocalización; Pupi Legarreta, Lewis Kahn, Alfredo de la Fé, Mike Pérez y Aurelio Parada, violines; Enrique Orengo y Patricia Dilen, cellos; Sonny Bravo, piano; Víctor Venegas, bajo; Johnny Rodríguez “Dandy”, conga; Orestes Vilató, timbales; Louie Ramírez, vibráfono en el tema Necia; Milton Cardona, quinto y batá en el tema Lo Saen; Virgilio Martí, vocalización en El penado; y LLEGÓ MELÓN, (Vaya V 60), con la vocalización del cantante mexicano Luis Ángel Silva, “Melón” a quien Pacheco había conocido en 1964 en la feria mundial de New York. Para éste álbum la orquesta la conformaban Johnny, flauta y güiro; Sonny Bravo, piano; Eddie “Gua-gua” Rivera, bajo; “Perico” Ortiz y “Bomberito” Zarzuela, trompetas; Johnny “Dandy” Rodríguez, congas; Luis Mangual, bongó; Harry Viggiano y Charlie Rodríguez, tres y Héctor Casanova, maracas. El disco incluye la rumba flamenca Don Toribio, de Peret; Pacheco y su Tumbao; Esto si se llama querer; Quiero llegar a Puerto Rico; Veracruz; Compay Antón; Nuestra cita; Jícamo y Salsa; y Solo estoy donde se destaca el soneo lírico de Melón.
En 1978, graba con Celia Cruz el álbum ETERNOS, (Vaya JMVS-80), el cual sigue la línea de los anteriores con Celia, incluyendo viejos temas cubanos. Se incluyen los temas El bajío, de J. Fumeró / A. Castro; El Celoso, de Júnior Cepeda; Saludo celestial, de Efraín González; Flor de mayo; La vara y la moneda; Tengo un cariñito; Yembe laroco, de Branco Suazo; El guaba, composición de Pacheco; y La danza del cocoyé, de Luis G. Martínez.

En 1979, graba los álbumes LOS AMIGOS, (Fania 540), vocalizado por Casanova, en el cual se incluyen los temas Agua de clavelito; La mulata; Yo quiero morir cantando; Sale a buscar; El Rey; Si la tierra tiembla; Adoración; Chamaca; Me llevaron la cartera; y Los pollos no tienen dientes. Para el álbum, la orquesta estaba conformada por Luis “Perico” Ortiz; Héctor “Bomberito” Zarzuela y Ray Maldonado, trompetas; Papo Lucca, piano; Salvador Cuevas, bajo; Johnny Rodríguez “Dandy”, bongó; Eddie Montalvo, congas; Luis Mangual, percusión; Charlie Rodríguez, tres; y Santiago Cerón, coros; y LOS DISTINGUIDOS, (Fania 549), vocalizado por el veterano cantante puertorriqueño Daniel Santos, que contiene los temas Ciríaco El Sabroso, Patricia, Isla del encanto; Trabajando; Mala suerte; Lamento del campesino; Vergüenza; El jibarito; y Juliana.
En 1980, Pacheco participa en el álbum PACHECO, FAJARDO, PUPI – LAS TRES FLAUTAS º JAVIER Y SU CHARANGA, (Fania JM-561), donde Javier Vázquez como pianista y director musical reúne a los tres grandes flautista con un elenco que incluye a Alfredo de la Fé y Lewis Kahn, violines; Elpidio Vázquez Jr, bajo; Alberto Valdés, congas; Nicky Marrero, timbales; Enrique Orengo, cello; Osvaldo “Chihuahua” Martínez, güiro; Rodger Squitero, percusión brasileña y Jorge y Tony Maldonado en la vocalización. El álbum incluye los temas Las Tres flautas; No tiene rival; Que me has hecho vida, todos de la autoría de Javier Vázquez; Taconéala, de René Casanova; Presente y pasado, de José A. Fajardo; y Me voy pa’ Morón, de José Herrera.

Publica los álbumes PACHECO Y MONGUITO EL ÚNICO: LA CREMA, (Fania 567), compilación de grabaciones anteriores en la cual se incluyen los temas El diablo; Se me fue; La rebelión; Esto si se llama querer; Chambelón; Me voy contigo; Cuenta na’má; A Morón; Quítate el chaquetón; El pájaro y el cazador; Amanecer guajiro; Sazonando; y No tienes corazón; CHAMP, (Fania 581), compilación que incluye los temas Guaguancó pa’l que sabe; Amarra el perro; Primoroso cantar; Víralo al revés; Pacheco y su Tumbao; Esa prieta; Me llevaron la cartera; Si la tierra tiembla; Préstame los guantes; y Trabajando; PACHECO Y MONGUITO: SABROSURA, (Fania 587), compilación en la cual se incluyen los temas Ave María morena; Mayarí; Camina y prende el fogón; Salsa; Yo soy cagueyran; Ven y ven; No hay amor sin claridad; Acere Cipriano; Las cosas de tu mente; y Nunca vayas a pensar. El álbum presenta como invitados a Javier Vázquez, piano; Mario Hernández, tres; Elpidio Hernández, bajo; Alberto Valdéz, congas y Edgar López, bongó.
Y graba el álbum CELIA, JOHNNY AND PETE, (Música Latina JMVS-90), con arreglos de Javier Vázquez, Sonny Bravo y Luis García, donde Celia y “El Conde” vocalizan a dúo varios temas. El álbum incluye los temas Así cantaba papá, el único tema compuesto por “El Conde”; Distintos caminos y Pueblo negro, de Johnny Ortiz; Me voy contigo; Un toque de bembé; Una rosa roja, de Óscar Hernández; La dicha mía, de Johnny Pacheco; La madre rumba; y Vida. Participan en el álbum Héctor “Bomberito” Zarzuela, Pedro “Puchi” Boulong y Ray Maldonado, trompetas; Luis “Perico” Ortiz, solo de trompeta en el tema Me voy contigo; Sonny Bravo y Óscar Hernández, piano; Eddie Montalvo, congas; Luis Mangual, bongoes; Héctor Casanova, maracas; Salvador Cuevas, bajo; Milton Cardona, batá en el tema Un toque de bembé; Johnny Pacheco, güiro y coros; Adalberto Santiago y Ramón Rodríguez, coros.

En 1981, graba con el veterano vocalista cubano Celio González el álbum EL ZORRO DE PLATA PRESENTA AL FLACO DE ORO, (Fania 600), que incluye los temas Treinta kilos; El cigarrito; Amalia; Todo lo que ansío; El toqueteo; Salsa y guaguancó; Llora; La luna quiere, yo nó; y Pinareño. Y el sello COCO publica con el título de EARLY RHYTHMS, (Coco CLP-162), un álbum que contiene grabaciones realizadas en agosto de 1960 por el pianista René Hernández, en el apogeo de su brillante carrera y el joven flautista Johnny Pacheco. El álbum incluye los temas El Bodeguero de Richard Egües; Patricia de Pérez Prado; Mambo Inn de Mario Bauzá y Mi música es para ti de René Touzet; Cero codazos; Corazón de melón; Nicolasa; Cha cha René; Clap your hand cha cha; Cha cha castañetas; Óyeme mama; y Sambia.
En 1982, graba los álbumes FAJARDO & PACHECO, (Fania 603), con la participación del veterano flautista cubano José Fajardo, vocalizado por Cali Alemán, y que incluye una versión del tema Juaniquita; y los temas Siento una flauta; Hombre hispanoamericano; Cumbias con salsa; Dedos mágicos; Corta y clava; Salsero sentimental; y Llegaron los Koreanos. La orquesta para el álbum estaba conformada por José Fajardo, flauta; Johnny Pacheco, flauta y percusión; Sonny Bravo, piano; Joe Santiago, bajo; Eddie Montalvo, Alberto Valdéz y Nelson Rojas, congas; Miguel Pozo Jr, timbal; Eric Badner, Alfredo Triff, Eddie Drennon, Lewis Kahn, Mike Pérez y Abraham Norman, violines; Enrique Orengo, cello; y Osvaldo “Chihuahua” Martínez, percusión; y DE PELÍCULA, (Música Latina JM-613), con el también veterano vocalista cubano Rolando LaSerie y que incluye los temas El polvorete, de la cantante colombiana Lucy González; Por el amor; Añoranzas; Confórmate; La palabra fin; No me dejes solo; El paso de Encarnación, de Pedro Aranzola; y Ese mar es mío, del brasileño Joao Nogueira.

En 1983, se reune nuevamente con “El Conde” para grabar el álbum DE NUEVO LOS COMPADRES, (Fania 625). Se incluyen los temas Una guiñaíta; Es el eden; El divorcio; Tu reloj Pastora; Llegaste tarde; Dinga y mandinga; y Gondolero. Para éste álbum la orquesta estaba conformada por Paquito Pastor, piano; Andy González, bajo; Eddie Montalvo, congas; José Mangual, bongó; Tony Barrero, Luis Doñé y Héctor “Bomberito” Zarzuela, trompetas; Ivan Conde, tres; Gary Carrión, maracas; Cali Alemán, coros y Johnny Pacheco, flauta, güiro y coros.
En 1984, graba el álbum FLYING HIGH, (Vaya JMVS-100), vocalizado nuevamente por Luis Ángel Silva, “Melón” y que incluye los temas El Pañuelito; El grillo y la cucaracha; Por seguir tus huellas; No te olvido; Esa va y suena bien; Antes la tuve yo; Una experiencia; El Lunar y La Casuelita.

En 1985, graba el álbum JÍCAMO, (Fania 638), vocalizado por Pete “El Conde” Rodríguez, en el cual se incluyen los temas Amor en la arena; Los compadres seguirán; No es posible; Señora inspiración; Como cambian los tiempos; Dile; Tu barriga; y Son del callejón. La orquesta para el álbum la conformaban Johnny Pacheco, percusión y coro; Paquito Pastor, piano; José M. García, tres; Pedro “Puchi” Boulong y Héctor “Bomberito” Zarzuela, trompetas; Carlos Lalane, bajo; Luis Mangual, bongó; y Milton Cardona, congas; y DE NUEVO, (Vaya JMVS-106), vocalizado por Celia Cruz, el cual recibe nominación al premio Grammy.
En 1987, Pacheco y “El Conde” graban el álbum SALSOBITA, (Fania JM-644), el cual recibe nominación para el premio Grammy. Para la grabación del álbum, Pacheco utiliza una orquesta conformada por los siguientes músicos: Paquito Pastor, piano; Héctor “Bomberito” Zarzuela y Gordon Tomasini, trompetas; Johnny Torres, bajo; Eddie Montalvo, congas; Raymond Colón, bongoes; José García, tres; Cali Alemán, coros; y Johnny en la flauta, güiro, quinto y coros. El álbum incluye los temas Benuto y Déjame vivir de Lorenzo Hierrezuelo; Hilos de plata; Carmín, Moncha y Margarita; Flor de barro; Creo nuevamente en el amor; y El cantar de los Pinales de Tite Curet Alonso.

En 1989, “los compadres” Johnny Pacheco y Pete “El Conde” Rodríguez celebran el 25° Aniversario de su NUEVO TUMBAO, produciendo el álbum CELEBRACIÓN, (Fania 652). Para el álbum, que incluye los temas El Tumbaíto; Esa mujer; Sin fé; ¡Ay María Elena!; Cuentos marinos; Dame un traguito; Guantanamera y Yo tengo la llave, la orquesta estuvo conformada por los siguientes músicos: Isidro Infante, piano; Héctor “Bomberito” Zarzuela, Pedro “Puchi” Boulong y David Rodríguez, trompetas; Johnny Torres, bajo; Eddie Montalvo, congas; Tony Saydal, bongoes; José García, tres, Johnny Pacheco, flauta, güiro y quinto y El Conde, vocalista.
En 1993, cuando se creía que la orquesta había desaparecido después de su celebración de los 25 años, Pacheco reaparece en el mercado disquero con el álbum SIMA!, (Fania 670), vocalizado por Cheo Quiñónez, donde conserva su formato de conjunto de dos trompetas pero ahora con violines e invitados especiales, entre ellos Héctor Casanova, vocalizando un tema, y arreglos de José Febles, Óscar Hernández, Isidro Infante, Luis García y Paquito Pastor. El álbum incluye los temas El Petiso; Quiero ser; Soneto; Flauta y quena; Ya se fue; El marido de la cotorra; El diablo y to; y Charangas. Participan los músicos Charlie Sepúlveda y David “Piro” Rodríguez, trompetas; Isidro Infante, piano; Marcus Quintanilla, bajo; Luis Rodríguez, tres; Félix Farrar, Lloyd Carter y Brenda Vincent, violines; Jimmy Delgado, bongó y timbales; Eddie Montalvo, congas; Ramón Rodríguez, coros; y Johnny, flauta, percusión y coros; y como invitados Oscar Hernández, piano; Peter McNamara y Héctor Colón, trompetas; Jorge González, bongó y Porfirio Fernández, tambora.
En 1996, participa en el apoteósico concierto realizado en el Teatro La Perla de Ponce, Puerto Rico, junto a su “compadre” Pete “El Conde” Rodríguez, Ismael Miranda y Andy Montañéz. En dicho concierto, Pacheco ejecuta la flauta, hace parte los coros y oficia como director musical de los temas Los Compadres, Sonero, La esencia del guaguancó y Soy hijo del Siboney, vocalizados por “El Conde”. (El concierto fue grabado y publicado en el año 2001).
En el 2000, el sello FANIA publica el álbum JOHNNY PACHECO, (Fania 725), una compilación de temas grabados en álbumes anteriores así: Corso y montuno, Las muchachas, Tu no sabes nada y Esa prieta, vocalizados por Héctor Casanova; Víralo al revés, Dulce con dulce y El divorcio, vocalizados por El Conde; Pinareño, vocalizado por Celio González; Añoranzas, vocalizado por Rolando LaSerie; Esa va y suena bien, vocalizado por Melón; Ciriaco el sabroso, vocalizado por Daniel Santos; Pacheco y Masucci, vocalizado por Roberto Rodríguez; Mango, piña y marañón, vocalizado por Justo Betancourt; y El tumbao y Celia, vocalizado por Celia.
“Hablar del Zorro Plateado, de Pacheco, es hablar del personaje musical más astuto, carismático y visionario que tuvo ese fenómeno salsoso producido en el New York latino de los 70. Supo superar la onda matancerizante que tanto le criticaron y dejó dentro de su institución, a la que nunca le cambió su sonido – dos trompetas desde 1967 – un repertorio ”clásico” con suficiente fuerza y autenticidad que hay que recuperar y reconocer.
ENTRE AMIGOS
Sus amigos y compañeros de aventuras musicales le rinden homenaje con la presentación del disco compacto Johnny Pacheco entre amigo, editado por el sello Bronco Records.
El álbum Johnny Pacheco entre amigo incluye 11 temas: "Coco seco", "El exigente", "Celia… reina soberana", "La bicicleta", "Busca tu puesto", "La mujer de mi vecino", "La cirugía", "Qué mareo", "El bacaliboro", "La mujer del peso" y "Yo fallé". Los arreglos musicales corrieron a cargo de Bobby Valentín, Papo Lucca, Ricky González y el propio Johnny Pacheco, ofreciendo una sabrosa sonoridad que recuerda los años de esplendor de la salsa, muy lejos de las sosas producciones que dominan el mercado actual.
El sonido de esta producción discográfica estuvo a cargo de una imponente banda musical que contó con una lista dorada de invitados especiales entre los que resaltan el trompetista Arturo Sandoval, los pianistas Ricky González y Papo Lucca, el flautista Dave Valentín, el bajista Bobby Valentín, el bongosero Roberto Roena y el tresero Nelson González. Las voces de Héctor Casanova y Ray Viera, cantantes fijos del tumbao de Johnny Pacheco, son acompañadas por los vocalistas invitados: Gilberto Santa Rosa, Ismael Miranda, Tito Rojas, Michael Stuart, Cheo Feliciano, Adalberto Santiago, José Alberto "El Canario", Hermán Oliveras y Johnny Ventura.
Aunque un poco aquejado de salud, Pacheco sigue dedicado a producir música de calidad, como podemos observar en este álbum que incluye ocho temas de su autoría. Conocedor como ninguno de los secretos de la música bailable, Johnny Pacheco presenta un disco variado con salsa, son montuno, cha-cha-cha y merengue.
El álbum Johnny Pacheco entre amigo rescata una forma de hacer salsa. Se trata de la fórmula de uno de los más grandes protagonistas de la historia de la música antillana, con más de cincuenta años de carrera artística.
Haciendo una revisión de la discografía de Pacheco nos encontramos que ha grabado unos 48 LP, de los cuales 6 son en formato de charanga, y que por su orquesta han pasado grandes cantantes de la música caribeña y de la salsa como Pete “El Conde” Rodríguez; Elliot Romero; Ruddy Calzado; Héctor Casanova; Chivirico Dávila; Celia Cruz; Justo Betancourt; Tito Allen; Luis Silva “Melón”; Roberto Rodríguez; Monguito “El Único” y otros.
Con Fania

Esta nota quedaría incompleta si no destacamos el carisma de Pacheco como líder de la más famosa banda de salsa de toda la historia: LA FANIA ALL STARS. Su olfato comercial le permitió llevar con su sello Fania Records, la música antillana a todos los rincones del planeta.
Otra faceta de Pacheco que merece destacarse es la de compositor, suyos son éxitos como Mi Gente y el Rey de la Puntualidad temas que identifican al gran Héctor Lavoe. Tiene más de 150 composiciones en su catálogo, una decena de discos de oro y nueve postulaciones al premio "Grammy".
Hay quienes afirman que el primer intento de un reunión de todos estrellas del sello Fania se encuentra en el disco de Johnny Pacheco Latin Jam que contó con la participación de Chombo Silva, Pupi Legarreta, Orestes Vilató, Caito y Patato Valdés.
Los salseros de pura cepa recuerdan la imagen de Johnny Pacheco al frente de la Fania All Stars en las películas Nuestra Cosa Latina y Salsa filmadas en 1971 y 1973 respectivamente. Luego de exitosas giras por todo el mundo, en 1976 por primera vez grabó la Fania All Stars un disco en estudio sin el bullicio de los conciertos, dedicado a la memoria del gran cantante boricua Tito Rodríguez.

En marzo de 1979, las Estrellas de Fania viajaron a La Habana, haciendo parte de la delegación estadounidense al gran Encuentro Cultural entre Cuba y los Estados Unidos en el Teatro Karl Marx con la participación de destacadas luminarias del jazz de la casa discográfica Columbia Records, que compartieron escenario con la Orquesta Aragón, el Grupo Irakere y legendarios percusionistas cubanos. La presencia de la Fania All Stars pasó prácticamente desapercibida para el público habanero. Como registro histórico se grabó el disco Habana Jam que recoge la presentación de la Estrellas de Fania en el Teatro Carlos Marx de La Habana.
Dentro de la discografía de la Fania All Stars encontramos el álbum California Jam con temas instrumentales grabados en 1976 en los días de la primera producción discográfica de la Fania con la compañía Columbian Records. Este disco fue lanzado al mercado en 1980.
En la Fania All Stars, Pacheco además de oficiar como director, también hacia coros y aprovechaba para realizar sus solos de flauta y en algunas ocasiones acompañar con la percusión menor.


Homenaje a Johnny Pacheco en San Juan de Puerto Rico domingo 16 de marzo de 2003.
Estadio Juan Ramón Loubriel Bayamón
Compartimos plenamente la afirmación de algunos salseros que dicen que si la salsa existe se debe a Johnny Pacheco, genio y figura de este movimiento musical, gran gestor e impulsor del movimiento salsero que desde Nueva York inundó al mundo entero.
Esto y mucho más es el gran PACHECO, co-productor con Masucci en mas de 800 larga duración, responsables del despegue, el boom, imperio, crisis y decadencia de FANIA, el sello disquero que hizo conocer al mundo lo que se hacía en salsa desde la gran metrópoli, New York.”
Condecoraciones:
En noviembre de 1998, su nombre fue instalado en el Teatro Latino de Fama Internacional.
Entre los premios recibidos por sus logros podemos mencionar los siguientes: el premio Bobby Rodríguez Capó Achievement Award 1997, presentado por el Gobernador de Nueva York, George Pataki; Medalla Presidencial de Honor otorgada por el Presidente de la Republica Dominicana, Joaquín Balaguer en el 1996; Primer Galardón Internacional a un Artista Dominicano presentado en los reconocidos Premios Casandra en junio de 1996, además es el primer productor de música latina en recibir el Premio NARAS (Academia Nacional de Artes Magnetofonías y las Ciencias) del Gobernador de la Ciudad de Nueva York.
Seriamente comprometido a colaborar y contribuir con la comunidad latina mundial crea el Fondo de Beca Johnny Pacheco con la intención de darle una oportunidad al joven músico talentoso para que pueda desarrollarse como artista y beneficiarse de una buena educación en la universidad.

El maestro Johnny Pacheco con el maestro Oreste Vilato.
Notas:
Esta compilación se publicó en la Revista La Lira, de la Asociación de Amigos de la Música del Ayer, en diciembre de 2004 y enero de 2005 en Barranquilla - Colombia
(1) Mary Kent(1993). Pacheco: An Anniversary Salute. .
(2) Por recomendación de René Hernández, pianista de Machito, Pacheco le ofreció a “Chombo” un trabajo como violinista. Inicialmente rechazó la oferta, ya que desde 1938 no había ejecutado el instrumento. Sin embargo Pacheco le consiguió un instrumento y lo apresuró para que se pusiera en forma. En tres semanas “Chombo” se readaptó al instrumento, participando con Pacheco en la grabación de dos álbumes y destacándose en el corte Tema de Pacheco, incluido en éste primer álbum.
(3) César Miguel Rondón en El Libro de la Salsa, pag 89.
“La orquesta de Pacheco no era la SONORA MATANCERA pero se le parecía bastante. La sección de vientos recaía sobre dos trompetistas, que ejecutaban los arreglos siempre en los registros altos y sin tener entre ellos la acostumbrada distinción de primera y segunda trompeta; ambos alternarían las funciones con lo que se lograban mambos simples en apariencia y en proposiciones armónicas, pero de una indudable fuerza y efectividad.” César Miguel Rondón en El Libro de la Salsa, pag 92.
(3) César Miguel Rondón en El Libro de la Salsa, pag. 92.
(4) La historia del origen del mítico tema Químbara la publicó Armando López el 17 de julio de 2004 en el sitio Cubaencuentro.com en una entrevista con Johnny Pacheco: "Celia era la orquesta", a continuación él explica. “Estaba yo en Puerto Rico, cuando se me acerca un muchachito y me dice: 'Pacheco, yo tengo unos temitas que quiero que oigas', y le digo: 'bueno espérame aquí, tomate un café que tengo una reunión'.
Pero me entretuve allá adentro. Cuando salí, ni me acordé del muchacho. Ya me iba, cuando me cayó atrás, gritando: '¿Eh, tú no me vas a oír?', '¿Oír qué?', le respondí. '¿No me dijiste que te esperara?.
Y yo, con ganas de quitármelo de arriba, le lancé a modo de excusa: '¿tienes la partitura, o la grabación?'. Y me contestó: 'no señor, la tengo aquí', y apuntó para su garganta, y ahí mismo me cantó: "Químbara, quimbara, quimbaquín bambá…". ¡Me noqueó! Y le dije: 'ven pa' arriba, jovencito, déjame oír eso bien'. Se llamaba Junior Cepeda.
Le grabé como diez temas. Fue tanto el éxito de sus salsas, que se mudó para Nueva York, pero se empató con una mujer mayor, que celosa le pegó tres balazos. Lo mató cuando acababa de cumplir 22 años. La infeliz asesinó a uno de los mejores autores de salsa de todos los tiempos. Celia grabó Químbara, lo demás es historia.
En cuanto a la ruptura con la Dubney, el artículo “'Remembering Charlie Palmieri” (1989), el musicólogo e historiador Max Salazar comenta. "Para los años 60s las charangas estaban muy calientes y Charlie Palmieri y Johnny Pacheco dividían la orquesta para trabajar en lugares diferentes. Cuando los bailarines se quejaron con Charlie porque se sentían robados al tener que pagar altos precios por media orquesta, Palmieri decidió que el iba a ser el único que concertara las presentaciones de la banda. Bajo esas condiciones, Pacheco se retiró para formar su propia orquesta".


DISCOGRAFIA JOHNNY PACHECO

Grabaciones con el sello Alegre.

1960 C Pacheco y su Charanga, Vol I. (Alegre 8010)(El güiro de Macorina)
1961 C Pacheco y su Charanga, Vol II. (Alegre 8050)(Soy guapo de verdad)
1962 C Pacheco y su Charanga, Vol III – Que suene la flauta. (Alegre 8110)
1963 C Pacheco y su Charanga, Vol IV – Suav’ito. (Alegre 8200)
1964 C Spotlight on Pacheco, Vol V. (Alegre 8270)(El Carabiné)

Grabaciones con los sellos Fania y Vaya.

1964 C Mi nuevo tumbao.....Cañonazo. (Fania 325)(Cañonazo, Fania)
1965 C Pacheco at New York world´s fair. (Fania SLP 326)
1965 C Te invita a bailar. (Fania SLP 327)
1965 C Pacheco – His flute and Latin Jam. (Fania SLP 328)(Sugar Frost)
1966 C El gran Pacheco. Viva África. (Fania SLP 330)
1966 C By popular demand. Pacheco y su Charanga. (Fania 333)(Bilongo)
1967 C Sabor típico. (Fania 339)(Soy hijo del Siboney)
1968 C Latin pipper. (Fania SLP 358)
1968 C Volando bajito. (Fania SLP 363)
1970 C La perfecta combinación. (Fania SLP 380)
1971 C Los Compadres. (Fania SLP 400)(Con El Conde)
1971 C Los Dinámicos. (Fania SLP 402)(Respaldando a Justo Betancourt)
1971 C Pacheco. 10 great years. (Fania SLP 409)
1973 C Había un vez / Once upon a time. (Tico LP 7680)
1973 C Tres de café / Dos de azúcar. (Fania SLP 436)
1974 C Celia & Johnny. (Vaya V 31)(Con Celia Cruz)
1974 C Lo mejor de / The best of Pacheco.
1975 C Tremendo caché. (Vaya )(Con Celia Cruz)
1975 C El Maestro. (Fania SLP 485)(Con Hector Casanova)(El Faisán, Simaní)
1976 C Recordando el ayer. (Vaya VS 52)(Con Celia, Justo y Papo)
1977 C Los dos Mosqueteros. (Vaya 63)
1977 C El Artista. (Fania SLP 503)(Con Hector Casanova)(Esa prieta)
1977 C Llegó Melón. (Vaya VS 70)(Con Luis Silva “Melón”)(Don Toríbio)
1978 C Eternos. (Vaya )(Con Celia Cruz)(El bajío)
1979 C Los Amigos. Johnny Pacheco / Héctor Casanova. (Fania 540)
1979 C Los Distinguidos. Johnny & Daniel. (Fania 549)
1980 C Pacheco, Fajardo & Pupi – Las tres flautas. (Fania JM-561)
1980 C La Crema. Pacheco y Monguito “El Único”. (Fania 567)
1980 C Champ. (Fania 587)(“El Conde”, H. Casanova, “Melon”, Wilfrido Vargas)
1980 C Sabrosura. Pacheco y Monguito. (Fania JM 587)
1980 C Celia, Johnny and Pete. (ML 90)(Así cantaba papá)
1981 C El Zorro de Plata presenta al Flaco de Oro. (Fania 600)
1981 C Early Rhythms. (Coco CLP-162)(El Bodeguero, Patricia, Mambo Inn)
1982 C Fajardo & Pacheco. (Fania JM 603)
1982 C De película. Rolando La Serie y Johnny Pacheco. (Fania 613)
1983 C De nuevo Los Compadres. (Fania JM 625)
1984 C Flying high. Pacheco y Melon. (Vaya JMVS 100)
1985 C Jícamo. (Fania 638)
1985 C De nuevo Celia Cruz & Johnny Pacheco. (Vaya JMVS-106 )
1987 C Salsobita. (Fania JM-644)
1989 C Celebración. (Fania 652)
1993 C Sima. (Fania 670)
2000 C Johnny Pacheco. (Fania 725)